Las bragas y las medias son dos puntos clave de cualquier buen fetichista interesado por el género femenino. Y suponemos que entre una pila de ambas prendas andaba nadando Hiroyuki Imaishi cuando propuso a Gainax hacer este nuevo ejercicio de demencialidad de la compañía en forma de anime llamado Panty & Stocking with Garterbelt.

Si hay quien hace de su capa un sallo esta pareja de magical girls compuestos por Panty y Stocking hacen, respectivamente, de sus bragas pistolas y de sus medias katanas. Donde Panty es una pizpireta colegiala popular Stocking es una gótica de muy malas pulgas. Pero para ser una serie sobre magical girls hace falta algo más que unas chicas ligeras de cascos con poderes que se enfrenten a villanos de todo pelaje. Por ello también tienen con ellas una mascota que conocerá el dolor en su más extenso sentido de manos de las dos protagonistas. A su vez estarán con Garterbelt, un negro de pelo afro con un perpetuo poncho mexicano. O eso conseguimos concluir del estrambótico PV de presentación de la serie. El resto es una ensalada de hostias, desnudos parciales, intercambios de ropa interior, explosiones y explosiones de mierda. Todo esto bien aderezado por Taku Takahashi, la parte electrónica de M-Flo, con una canción que se situaría entre el mejor ejemplo de como el jungle puede sonar en algún lugar entre lo hipersexualizado y lo cyberpunk. A fin de cuentas, el uso de gemidos como samplers para la música de la presentación ya dice mucho sobre el tono que tendrá la serie.

Aun con todo esta brutal ensalada de azido que nos presentan cobra algo de sentido cuando uno lee la peculiar base argumental de la serie. Una compañía de fantasmas se mueve traslada a Daten City y dos ángeles, Panty y Stocking, son enviadas para exterminarlos. Obviamente, no es tan sencillo, y es que en realidad ellas fueron expulsadas del cielo por su nefasta conducta en el cielo. Pero cuando uno se sumerge en las psicotrónicas sinopsis de los primeros cuatro capítulos de la serie la preocupación por el estado de la salud mental de los creadores es ya algo prioritario. Desde fantasmas que devoran personas mientras están en el baño hasta el enfrentamiento contra una banda de fantasmas en bicicleta en una carrera de la muerte son una muestra de que derroteros tomará la serie. Sin duda alguna la idea de ángeles que utilizan su ropa interior para combatir los fantasmas, en las más absurdas de las situaciones, que invaden la ciudad puede dar para muchísimo.

Sea como fuere aun tendremos que esperar al primer día de Octubre para poder ver este potencial hit de la temporada. De entrada, con solo el argumento, la sinopsis de cuatro capítulos y un vídeo digno de ejercicio de paciente psiquiátrico, ya se puede intuir que al menos no dejará indiferente a nadie. El fetichismo, con delirio, sabe mejor.

Quizás Keiji Inafune no esté todo lo fino que debería en los últimos tiempos, desde luego el trash se basa en el candor y la inocencia de sus hilarantes logros y una buena película de videojuegos solo puede nacer desde el amor y la comprensión de los códigos de estos. Precisamente todo esto y mucho más acaba anidando en la fantástica a la par que demencial Zombrex: Dead Rising Sun de Keiji Inafune.

Como un modo de promocionar la segunda entrega de la saga Dead Rising en Capcom decidieron hacer esta película, capricho de Inafune. Y lejos de ser una decepción absoluta consigue aprovechar con bastante solvencia los elementos de los que dispone. La historia no podría ser más simple, dos hermanos en plena epidemia zombie buscan un refugio pero ninguno les acoge por ser uno de ellos paralítico e ir en silla de ruedas. Al intentar resguardarse en algún lugar durante la noche acaben en un almacén donde un grupúsculo de yakuzas hacen de su ley el orden. Encerrados entre los zombies y los yakuzas la supervivencia se vuelve cruda y dificultosa. Sin ser nada nuevo bajo el sol en cuanto argumento su mayor logro es como solventa uno a uno los problemas técnicos. Con un presupuesto mínimo ambientan casi toda la acción en un almacén sin acabar por dar sensación de tedio gracias a la ayuda de unos flashbacks bien posicionados que dinamizan el ritmo. Además el uso de la mayor parte del tiempo de una cámara en primera persona desde el hermano en silla de ruedas es otro de los grandes logros de la cinta. Desde el mismo momento en que se insinúan muchas más cosas de las que realmente se ven hasta que nos da un punto de vista peculiar de toda la acción, siempre desde un centro de gravedad inestable y, además, bajo. Desde luego no revolucionará el cine esta película pero sí que nos enseña que no hacen falta presupuestos abultados si las ideas y la disposición es buena.

Los pequeños detalles del juego se diseminan aquí y allá con certeza, desde la inclusión del zombrex que se supone tendrá un buen peso argumental en la segunda parte hasta el hecho de que los zombies se vuelvan más poderosos de noche. Los guiños al fan son continuados en unas referencias que, para más inri, ayudan a introducirse a las claves del juego a los neófitos. No solo es una película, también es un pseudo-tutorial en el cual nos sumergen en el tono exacto en el que nos encontramos en Dead Rising, la supervivencia en una realidad adversa por definición. Y si la cosa no decae es precisamente por el amor que destila en cada momento. Los pequeños guiños, los taglines para el recuerdo que rozan lo borderline y las escenas de una violencia hiperbólica son el canto de cisne de un enamorado no solo de los videojuegos sino del cine más imaginativo y sin prejuicios que haya podido ver nunca. Así todo casa en una suerte de gran puzzle en la que videojuego y cine se dan de la mano sin problemas, donde uno no es la sustitución del otro, sino simplemente su continuación por otros medios. Incluso el detalle de que aparezca el mismo diciéndonos que espera que nos haya gustado, aunque entendería que no, demuestra lo dulce de sus intenciones. Probablemente no sea la película más gore, ni la mejor rodada y ni siquiera la mejor película sobre un videojuego que se haya hecho ya a día de hoy. Pero de lo que no cabe duda es que Inafune, por primera vez en mucho tiempo, ha puesto todo su amor por los zombies en juego y lo ha plasmado en una encantadora y sangrientamente naïf película.

Al final nos quedamos perturbados entre unas risotadas inocentes, entrañables, unas risas que como nos dice el propio Inafune es una risa por la que vivir. Y es que todos necesitamos razones para vivir y la risa inocente, el candor del que es capaz de disfrutar de algo como solo lo haría un niño, es el mejor catalizador de una vida feliz. Todo lo demás es retórica de viejos antes de tiempo.

El amor y la pasión de un fan no entienden de malas decisiones tomadas por el mercantilismo. Si los fanfictions hace tiempo que son odas pasionales con calidad en ocasiones que compite con las de las obras originales en el cine no iba a ser esto menos. Y con el excelente cortometraje Street Fighter: Legacy nos demuestran que es posible hacer una buena adaptación con todo el sabor del videojuego.

Dirigido por Joey Ansah y Owen Trevor el corto nos relata un breve pero intenso combate de Ryu y Ken en la eterna búsqueda del primero de Akuma, el asesino de su maestro. La caracterización soberbia no sería nada sin una fotografía muy bien elegida que con sus colores apagados y su profusión de primeros planos nos mete en la tensa, aunque honorable, lucha entre los dos héroes de idéntico estilo de combate. Un sabio abuso de la cámara lenta realza una coreografía espectacular, sin llegar a los excesos del wuxia pero sin quedarse en un mero toma y daca rítmico sin épica. Su ritmo brusco que alterna entre pausas dramáticas y un reparto acelerado de golpes crea un contraste más propio del estilo del videojuego que del cine. Y ahí está el gran logro de este corto. Consigue hibridar la estética del videojuego en el propio seno del cine, no calcando lo formal que tienen en común, sino imitando sus propios pulsos dramáticos. Así incluso los modestos, aunque muy reseñables, efectos especiales nos da lugar a un espectacular hadouken que en su parsimonia de ejecución y avance termina por sumergirnos en el ritmo que llevaríamos haciendo las mismas acciones aporreando nuestros botones.

Como un shoryuken este corto es un directo (de fuego) a la mandíbula de los estudios de cine que, todavía, parecen no haber sabido transportar la verdadera esencia del videojuego al cine. Con estos ejercicios estamos un paso más cerca de ver que se puede conseguir cuando chocan ambos mundos cuando el que lo provoca siente un genuino interés por ello. Las hostias, si bien adaptadas, duelen el doble.

Ver la belleza en el hecho fallido es algo que necesita de una sensibilidad especial de la cual el consumidor medio del melodrama y el bestseller barato de la temporada carece. El porque rebuscar entre los juguetes rotos del vertedero de la cultura solo lo sabe aquel que sabe paladear los guisos de las más altas y las más bajas cocinas. Y si alguien es perfecto para guiarnos en semejante periplo ese es Jordi Costa con Mondo Bulldog.

En este imprescindible Mondo Bulldog nos encontramos un psicotrónico por lo más granado y lo más abyecto de la bizarrez tanto allende los mares como en nuestra propia piel de toro. Dividido en cinco capítulos nos da una sórdida mirada hacia las acanaladuras de la cultura mientras, entusiasmado, nos explica la pura genialidad de estos despiadados artefactos naïf. Aunque el grueso del libro, casi la mitad, este dedicado al cine no duda en abordar todos los espectros de lo audiovisual además de darnos un buen repaso por el mundo del ser humano como producto trash: el freak. Con un estilo ligero y con profusión de nombres de toda índole vivisecciona con certeza mientras nos enseña las tripas del monstruo que hay detrás de la pared. Un monstruo que, por otra parte, nos encarga de señalar una y otra vez que no es malvado o premeditado, es accidental y ahí está su encanto, es genuino. Lo trash surge, generalmente, en un accidental intento de hacer un ente cultural o artístico de valor que sin embargo acaba en un fracasado intento. En otras ocasiones es premeditado pero en otras muchas ni siquiera existe ninguna clase de intencionalidad cultural en el producto trash. Lo trash lo es por el mérito propio de serlo.

Quizás cabe destacar como su mirada hacia el trash en la televisión ha quedado ya desfasada a la par que legitimizada hasta extremos que rozan lo absurdo. Si antes en la televisión se humillaba, despreciaba y procuraba dejar constancia de ello al extraño, al freak, lentamente se le fue glorificando en una suerte de recompensa por los abusos sufridos en el pasado. Actualmente ante el grotesco patíbulo de monstruos de feria que es nuestra televisión se han cumplido los designios del trash: ya no existe la norma, todo es trash. Por supuesto este asfixiante extremo, que probablemente no pudo imaginar hace algo más de una década Costa, ha dado la vuelta al espectáculo basura televisivo. En la tele tenemos unos monstruos que han ascendido hasta una posición de poder mediático, legitimizados como la fuerza del ciudadano común o, al menos, de aquel con una cultura que no pasa del Hola. Auténticos monstruos como Belen Esteban complacen la erosión de la cultura para vanagloria de jubiladas y amas de casa de vida amargada mientras los jóvenes que se dicen de gustos más refinados se burlan de la arrabalera mediática que re-inventa las etapas de la historia de la humanidad. Si podemos considerar Salvame Deluxe el epicentro de Lo Trash español o si deberíamos realizar un suicidio ritual masivo es ya, motivo, de otro posible artículo.

Sea como fuere Jordi Costa nos da varias atentas y analíticas miradas hacia el territorio del estercolero cultural para que nosotros podamos sacar nuestras propias conclusiones de que es y que no es exactamente lo trash. Desde los ejemplos más evidentes como Ed Wood hasta los momentos más particulares como John Holmes es un manual perfecto para entender que se cuece tras las costuras de lo oficial. Aquí yacen las entrañas de la cultura ortodoxa.

En esta vida hay dos formas de coger algo clásico y adoptarlo a las nuevas tendencias. La primera es hacerlo bien y la segunda es meter la cabeza en una trituradora hasta que tu cerebro se mezcla bien con la suficiente cantidad de mierda. A causa de Keiji Inafune lleva casi una década con la cabeza incrustada dentro de su propio culo esta segunda vía es la que ha tomado Mega Man Universe.

Cuando vieron que Mega Man era una formula agotadísima como algo que no fuera la más básica de sus iteraciones, tan sencilla que es inagotable, decidieron dar un giro de rumbo con la franquicia. Así perpetúan esta inefable agresión contra nuestra corneas con el Mega Man más increíblemente feo que jamas se ha diseñado. En algún extraño punto entre lo realista y lo cartoon han situado todo el diseño del juego en lo más profundo del uncanny valley, no solo es rematadamente feo sino que resulta incluso inquietante. Tampoco ayuda en lo más mínimo mantener iguales los mismos movimientos de personajes y villanos que acentúan esa sensación de irrealidad llevándolo, aun más si cabe, al terreno de lo incomprensible. Así este despropósito en forma de teaser aun nos da más con sus escenarios, totalmente genéricos y vacíos. Probablemente en un intento de suma a la tendencia al do it yourself para que los usuarios hagan el trabajo del diseño de niveles. Incluso de niveles que no resulten clones aburridos de antiguas entregas. Quizás la inclusión de otros personajes como Ryu o Sir Arthur y el diseño de niveles de los jugadores puedan salvar al juego de la ignominia pero lo más probable es que, en el mejor de los casos, sea carne de las aves de presa del trash.

Feísta, desangelado y tan apetecible, a priori, como la próxima iteración de una aventura conversacional checoslovaca. Tanto Inafune como Capcom van dando tumbos buscando su lugar en una generación en la cual, Japón, ya no dicta el ritmo que necesita para seguir adelante. Mientras, las arcas de las necedades, siguen abiertas.

En un momento donde el metal extremo parece ser objeto de vanguardia sus formas más puras saben a extraño néctar imposible. Quizás partiendo de esto alguien crea que la mezcla de todos los géneros extremos al tuntún añadiéndole la manida estética totalitarista puede atraer al fan medio de los géneros. Y así es, otra es que un disco como Witchkrieg de Witchery sea capaz de mantener la atención de nadie.

Entre el trash, el death y el black metal sea sitúa un disco de sonido denso y contundente que, pese a su velocidad, suena increíblemente lento. Los destellos tecnicistas por parte de la guitarra de Patrik Jensen empiezan agradeciéndose como un interesante alivio de la pesadez del disco y acaban siendo una tortura de vacuo sentimiento. Y ese es el problema del disco, esta vació, no tiene alma y es una de las cosas más inmensamente aburridas que uno puede escuchar. Después de las dos, por otra parte notables, primeras canciones uno solo puede escuchar este disco como una fuente de denso ruido con puntuales e irritantes solos de guitarra. La mezcla de géneros, al tuntún, elimina cualquier posibilidad de encontrar una personalidad propia. Tampoco ayuda que el cantante, Erik “Legion” Hagstedt, parezca estancado en un eterno registro para cantar el enésimo Panzer Division Marduk. Por lo demás, su estética totalitarista acaba por resultar desastrosa, no tienen gancho ni continuidad temática de ninguna clase dentro del propio disco, haciendo que sea más un lastre estético que un verdadero punto del disco. Sin duda alguna una áurea mediocridad de un sopor insoportable.

Su propuesta de mezclar todo lo mezclable dentro del caldero de lo extremo solo consigue una sopa irregular, densa, espesa y, lo más grave de todo, sin sabor alguno. Finalmente Witchery se nos presentan como lo que realmente son, un grupo torticero que intentan alcanzar el éxito con las sobras del éxito ajeno. Señores, menos Satán y más personalidad.

En los 80’s Japón vivió un feliz momento álgido de una economía muy boyante, lo cual propicio una tendencia al exceso que, aun hoy, se mantiene en cierta medida. Todo esto era un caldo de cultivo propicio para que, emulando el éxito de Ziggy Stardust en Occidente, apareciera otro músico de rock & roll intergaláctico que nos hiciera mover el esqueleto al ritmo de su celérica música. Pero no hubo que esperar más allá del año 85 del siglo pasado para encontrarlo: Jaguar había llegado a nuestro planeta.

Prefectura de Chiba, Japón, un extraño alienígena venido del planeta Jaguar de aspecto marcadamente glam aterriza en el lugar y, sin vacilar un solo momento, se aproxima a la sede de la televisión local con unos cuantos yenes y unas extrañas cintas de vídeo caseras. Así nace su propio programa JAGUAR HELLO!, un espacio de 5 minutos semanales donde proyectar sus vídeos musicales. Claro que el no era un alienígena malvado y asumió una forma humana en la que presentarse en la tierra para así propagar su mensaje de paz y amor a través de su programa. Su estilo y pasión, saltando de un género a otro sin problemas siempre dentro de la más estricta de las estéticas más horteras, le llevo a aparecer también en las televisiones de las prefecturas vecinas de Saitama y Kanagawa. Pero todo lo bueno desaparece y en 1993, en plena depresión económica del país debido a los excesos económicos que han vivido durante más de 10 años, desaparece de la parrilla televisiva. Así los japoneses no solo se ven sumergidos en una de las más fuerte y crueles depresiones económicas de la historia, sino que pierden a su héroe de segunda fila, amado como si se tratara de un kami por sus fans, que les ayudaba a seguir adelante.

A partir de entonces todo es rumorología. Unos afirman que Jaguar, como Ziggy Stardust, se dio a los excesos propios de las estrellas de rock humanas y abandonó nuestro planeta o se suicidó. Otros sentenciaron con fuerza que la crisis económica había demostrado a Jaguar que su mensaje había sido en vano y regresó deprimido al planeta Jaguar. Otros, más optimistas, pensaban que ocurrió algo en el planeta Jaguar y el tuvo que ir, una vez más, a salvarles a través de su música. Sea como fuere nadie sabía con exactitud que había sido del bizarro cantante Jaguar, el hombre capaz de girar entre el rock & roll o el pop sin ningún prejuicio ni mesura mientras nos transmitía su mensaje de paz y amor. El desapareció de repente y solo nos legó, con cariño, los VHS que sus fans fueron grabando con ternura y amor de todos sus programas para recordarlo y tenerlo siempre en sus corazones. Aunque el celuloide se corrompa y las mentes olviden, los corazones siempre están con los héroes que nos marcaron. Y él oyó las plegarías, Jaguar volvió en el año 2005.

La euforia invadió a sus fans nipones pero todos tenían una gran duda rondando su cabeza, ¿por qué se había ausentado Jaguar todo este tiempo de sus vidas? La respuesta no es dificil, él estaba viajando con su maquina del tiempo cuando, por accidente, viajo 10 años en el futuro. De nuevo entre todos nosotros recuperó su programa donde seguía con sus pequeños espacios de 5 minutos donde nos deleitaba con su magnífica música. Además, gracias a sus fans más irredentos, consiguió recolectar dinero de entre todos ellos para hacer dos programas especiales de media hora cada uno. El amor que él sembró en los corazones de las personas le fue devuelto con creces para que pudiera seguir transmitiendo su mensaje más y mejor a todos aquellos dispuestos a escucharlo. Y, aunque las despedidas siempre duelen, al final Jaguar se despidió de todos nosotros con el amor y la simpatía que solo el sabe derrochar con tanta gracia un año después del comienzo de su segunda etapa. Siendo no tanto un final como un agridulce hasta luego.

No nos debe caber duda que la historia de la segunda mitad del siglo XX se ve movida tanto por las estrellas de rock de nuestro planeta como las de lejanos y misteriosos planetas. Quizás Jaguar ya no esté entre nosotros pero no nos debe caber duda de que siempre anidará su recuerdo en nuestros corazones, siempre nos quedará la esperanza de su vuelta. La paz y el amor vinieron en una maquina del tiempo con un glam extraterrestre.

No es fácil ni demasiado sensato intentar centralizar en una sola entidad diferentes entidades con sus diferentes personalidades. Por ello cuando el jefe de la banda más poderosa de Nueva York, Cyrus, decide unificar a todas las bandas de la ciudad en un único bloque y hace una reunión multitudinaria para hacerlo, acaban pegándole un tiro. Y como siempre, nadie se responsabiliza y se acusa al tonto del pueblo, en este caso, a The Warriors.

Esta peculiar película de culto dirigida por el ecléctico Walter Hill es un remiendo contemporaneo y absurdo de la Anábasis de Jenofonte. Los Warriors escapan desde el Bronx hasta su hogar situado en Coney Island, teniendo antes que pasar por los territorios de cuantiosas bandas que van en su búsqueda para cobrar la recompensa por sus cabezas. Así un ejercito tiene que ir en búsqueda del mar enfrentándose por el camino con innumerables enemigos o aliados que se tornan en hostiles rivales. El problema es que donde los mercenarios griegos eran valientes, honorables e inteligentes los Warriors son poco menos que imbeciles desarrapados cuyas ideas de bombero les llevan a correr eternamente por el filo de la navaja. Su tendencia a separarse o irse con la primera persona que se encuentren les conduce a sus problemas que, lejos de su solucionarse por su habilidad o inteligencia, se solucionan por su descomunal suerte. Solo consiguen sobrevivir gracias a la pura suerte contra un ejercito dirigido por la voz de dios, representado en la voz del locutor de radio que insta a conseguir la cabeza de los Warriors. El hombre luchando contra los dioses sale, finalmente, victorioso porque el destino decide que son inocentes, que los dioses se dan cuenta de su error y perciben quien fue el que de verdad merecía ser castigado. Aunque sea a destiempo, mal, atropellada e injustificadamente.

Muy lejos de ser como el ejercito ordenado, pulcro y valiente que nos describe Jenofonte los Warriors son luchadores arrabaleros. Son desgraciados que se mueven entre la pura subnormalidad y la ligera estupidez por un destino que ya ha decidido de ante mano darles la victoria. Pervirtiendo esa pseudo-cultura que es el refranero español, la suerte del trash, el mainstream la desea.

Cuando una princesa es secuestrada lo tradicional es que alguien vaya a salvarla, al igual que es tradicional que ese alguien que la haya secuestrado sea alguna clase de monstruo. Algo de esto y de como hacer un buen plataformas en el siglo XXI nos habla Monsters (Probably) Stole My Princess.

La premisa es sencilla, ir de casa en casa de cada uno de los monstruos para cogerles infraganti haciendo labores del hogar y que huyan aterrorizados de nosotros. A partir de aquí todo es una vertiginosa escalada en la cual vamos saltando de una plataforma a otra intentando golpear con un doble salto hasta en tres ocasiones al monstruo para derrotarlo… y que la princesa esté en otra cosa. Claro que, dicho así, es extremadamente fácil todo se complica cuando cada vez que pisamos una nueva plataforma vamos haciendo un combo que se deshace si volvemos a pisar una plataforma sobre la que ya pusimos los pies con anterioridad. Así, con esta sencilla inclusión del combo de los brawlers en el mundo de las plataformas se hace de un juego sencillo, estúpidamente sencillo, un reto duro y con enjundia que nos tenga atados al mando. Todo mientras vamos descubriendo con ironía en cada nuevo logro conseguido, en cada nueva medalla obtenido, más truculentos datos de la maldad de nuestro personaje. Y es que, por ejemplo, si el giro final de Braid era sorpresivo aquí es evidente y nos lo dan de entrada. Los monstruos no son malvados, es solo que el bueno del conde es una megalomaniaco que se cree un héroe vanaglorioso que debe salvar a su dulce princesa. La tradición del videojuego, como entidad de uno de ellos, le ha podrido el cerebro como a un Don Quijote que, no es que vea gigantes donde hay molinos de viento, sino que ve monstruos donde solo hay gente intentando hacer su agradable y sencilla vida.

Mediante la perversión de los códigos, siempre desde el más absoluto respeto e ironía, se consigue el efecto deseado, un estupendo plataformas que con una mecánica sencillísima y un argumento anecdótico nos enseña que es un buen videojuego. ¿Qué es videojuego?¿Y tú me lo preguntas? Videojuego… eres tú.

Somos una raza de contrastes capaces de lo mejor y de lo peor, de lo más únicamente humano y de lo extremadamente inhumano. Somo, en fin, una raza violenta tendente al amor, lo cual nos lleva a un eterno cambio. Y también nos gusta el esperpento, cosa que saben muy bien Hot Chip.

En su ya celebre I Feel Better nos presentan un tema de reminiscencias lounge que nos recuerda lo que se hacía en Ibiza allá por mediados de los 90’s. Su música y su letra, dulce a la par que melancólica, nos dan un perfecto reflejo del ser humano. Claro que también lo hacen al presentarnos una boyband siendo brutalmente masacrada por un extraño hombre vestido con una túnica blanca que lanza rayos blancos por la boca. El triunfo del indie, del raro, del freak como epitome de lo deseable y aspirable que desbancó, precisamente pasados los 90’s, al chulito guaperas de la boyband. Hoy nadie quiere ser los Back Street Boys, todos quieren ser Radiohead. Aunque sean unos u otros ningunos se libran de los censuradores rayos láser del productor, que no durará en masacrarlos vilmente cuando considere que no les son rentables sin atender más que a sus arbitrarios y, probablemente, aleatorios designios. Eh, nene, el espectáculo es duro.

Sea como fuere de algo no nos cabe duda al final, el ser humano es un ente de contrastes que va fluctuando invariablemente entre lo mejor y lo peor. Y que los rayos de energía molan.