Subcultura y cultura underground a go-gó

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El ruido, el epitome de lo incomodo, los berridos de tu vecina la que no es consciente de que no sabe cantar, el puto perro que ladra a las 7 de la mañana, el murmullo de decenas de gilipollas que no te permiten pensar, el molesto zumbido de la tele. Todo es ruido un genio decidió aprovechar ese ruido que el amaba para crear su hijo, para crear a Noiseman.

Noiseman Sound Insect es una pequeña obra de anime de Kōji Morimoto en el que una especie de monstruo llamada Noiseman, creada y alimentada por el ruido que generan todas las cosas orgánicas, conquista el mundo y decide alimentarse de los seres humanos a los cuales separa su ruido de su esencia física, convirtiéndolos en espíritus. Con la belleza propia que impregna toda obra de Studio 4°C y con un baño de psychodelia se nos presenta una dicotomía del hombre, la lucha del ruido, representado en un gigantesco ser con un comportamiento infantil, y de la música, representado por pequeños espíritus que solo intentan sobrevivir de un mal que los aprisiona en la oscuridad. El ruido que devora todo sentido, paz y humanidad del mundo.

Una lucha sin cuartel, los frutos de la música contra las semillas del ruido, comienza el combate entre los hombres del ruido y los insectos de la música. Del mal al bien pasando por una alegre melodía.

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Con el nacimiento del Black Metal llego al mundo la primera música genuinamente oscura, nihilista y repudiable fuera de toda duda, pero a la vez que conseguía salir victorioso en los términos de desaprobación, donde el punk se vio derrotado, también encontraría una nueva forma de entender los logos.

Christophe Szpajdel crearía en 1990 el logo de Emperor, a raíz de esto haría infinidad de logos para grupos de Black Metal y, en ocasiones, también de Death Metal hasta llegar a crear un estilo de letra que el tiene a bien denominar Depressiv’Moderne. Y como en esta santa casa amamos el metal extremo, les dejo con la impresionante galería de logos indescifrables que le da personalidad al que quizás sea el genero mas controvertido de la historia de la música.

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Los what if? siempre son un medio interesante para contar historias curiosas o inviables por sus propias repercusiones. Supeditado a esto encontramos la nueva historia de Lobezno en la cual es el ultimo superhéroe vivo.

Old Man Logan empieza con la apacible vida de Logan siendo extorsionado por los hijos de Hulk, uno de los supervillanos que conquisto EEUU en el ocaso de los superheroes, motivo por el que decide acompañar a hacer un misterioso encargo con Hawkeye para así poder pagar por sus tierras. Aquí comienza un trasunto de viaje iniciático de un héroe hace décadas derrotado, atraviesan todo el país retratando la miseria que han traído los supervillanos mientras Logan oculta la razón para no sacar jamas sus garras y no pelear. Hasta que se ve obligado a hacerlo.

Cráneo Rojo con su particular galería de trofeos de superheroes o el simbionte dinosaurio son un ejemplo de lo mejor del cómic, cuando se toma su tiempo y abraza el absurdo propio del comic, alcanza sus puntos álgidos en la auto-referencialidad y el exceso pulp. Las venganzas no son sobre los asesinos, es sobre todo lo que los contenga. Este exceso sin embargo se ve pronto supeditado a un ritmo narrativo torpe que termina por precipitar el desenlace y sobretodo, el secreto de Logan, que en un intento de ser un giro de tuerca increíble acaba por resultar incoherente.

Una historia irregular de un personaje irregular que se va tambaleando entre grandes momentos de genialidad y una mediocridad absoluta por culpa de intentar trascender. El amor hacia el exceso del pulp truncado por el intento de epatar.

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The Bloody Beetroots son lo más cercano al terrorismo musical que podemos encontrar en el House a día de hoy. Sumémosle a esto le la colaboración del creador de modas en la sombra por excelencia, Steve Aoki, y conseguiremos un espejo de la contemporaneidad como Warp.

Warp sigue la estela del Electro House más sucio y oscuro partiendo como base de Dominator de Human Resource, actualizando en un tono similar pero en un nuevo contexto el tema. Desde Dominator, el epitome de lo cool en su época, The Bloody Beetroots se atreven a rescatarlo con una melodía más oscura y sucia pero mucho más escuchable para una forma más refinada de entender el House, firmando así una obra que no solo renueva sino que mejora el concepto original.

Y es que tanto Steve Aoki como The Bloody Beetroots han entendido la esencia de la modernidad contemporánea, un modo de entender la existencia, esta de moda ser alternativo.

One, two, ¡uh, uh!

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En el fondo todos estamos un poco locos, la diferencia es en que punto entre las pequeñas manías y miedos habituales y la psicopatía en su estado más puro es hacia que lado de la balanza mas nos acercamos. Batman Arkham Asylum aborda este tema desde sus dos protagonistas y un invitado especial que acaba resultando ser lo mejor del juego.

Batman atrapa por enésima vez a Joker pero este una vez en Arkham consigue hacerse con el poder del psiquiátrico desatando una ola de terror, Batman en esta situación deberá enfrentarse a sus más terribles miedos en forma de sus recurrentes enemigos. Desde Killer Croc hasta el mismo Joker pasando por los retos de Enigma en un entorno que no deja de ser una típica cárcel de alta seguridad mas que un insano manicomio. Pero esto no es lo que teme, su enemigo más peligroso y temido es el más débil en apareciencia, es El Espantapájaros.

En cada aparición del Espantapájaros inocula una cantidad de drogas del pánico a Batman por las cuales rememora los momentos más terribles de su vida, lo que más teme en esta vida. Desde la muerte de su padre hasta un trasunto del principio del juego donde en vez de escoltar Batman a Joker es este segundo quien escolta al interior a un dementado Batman con personalidad disociativa. Después de esto llega a un lugar donde reina el caos y la locura del Espantapajaros en forma gigantesca dominando todo, teniendo que huir de el hasta encontrar la luz que puede derrotarle y terminar con las horribles pesadillas que produce.

Si Batman teme a Joker no es por el daño que puede hacer, sino porque es el reflejo tenebroso de si mismo, la única diferencia entre ellos dos es la forma en la que abrazan su locura, un pequeño resbalón podría poner al uno en el lugar del otro. Porque el mayor enemigo de Bruce Wayne es Batman.

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Katsuhiro Otomo siente una cierta inquietud hacia donde se dirige humanidad, así tenemos su muestra más conocida en Akira. Pero en una obra anterior ya apuntaría en esta dirección en la cual coincide en la forma pero no así en la sustancia, esta obra era Domu.

Domu nos habla del caos engendrado por la humanidad, una humanidad encerrada en un dudoso porvenir en el cual los avances tecnológicos y sociales solo parecen enclaustrarlos más en fortalezas de cristal y fantasías de un mañana mejor. Así una urbanización familiar se torna en una pesadilla horrible cuando extraños suicidios y asesinatos empiezan a sucederse dentro de esta, no solo temen ya a la rutina, temen también el no vivir un día más.

En una urbanización de clases acomodadas los niños juegan ignorantes del papel de su inocencia y los adultos anhelan y temen las fantasías nacidas muertas de los futuros padres asalariados. El terror adulto en forma de la urbanización como cárcel de los deseos.

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Gloomy Sunday
with shadows I spend it all
my heart and I
have decided to end it all

Tsukimono no inventa pero remoza una melodía triste y melancólica, una voz que se oye desde una radio y crujidos de la madera combándose. Gloomy Sunday es la canción de los amantes suicidas, una canción sombría sobre la desesperación de la perdida del ser amado y de la incapacidad de seguir adelante sin esta.

Lo mas curioso es como esta modernización de la canción la lleva al limite la expresividad de esa desesperación, no desde lo sombrío, sino desde la evocación. Si el amante suicida es sombrío por sus palabras y sus actos, Gloomy Sunday solo lo es por sus palabras. Una oda al suicidio por amor desde una radio vieja y destrozada.

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Les traigo una sorpresa, una entrada no habitual en este blog, si bajan hasta abajo podrán oír mi primera intervención (y espero que no ultima) en el Porcast del nunca suficientemente laureado Mario Virico. Espero que les guste y sobretodo recuerden pasar por el blog del anfitrión y comentarle a el también y por favor, anímense a participar en futuros porcast, tanto Mario como un servidor se lo agradeceremos.

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La corporación Muzak es la culpable de los hilos musicales de los ascensores, quien conozca esas ligeras tonadillas loungue sabrá lo agradable a la par que insidiosas que llegan a ser, a nadie le gustan pero todo el mundo las tararea. Pizzicato Five parte de los orígenes de esa música de ascensor para crear su propio estilo.

Pizzicato Five es un grupo que, como dirían en su primer single, tienen el complejo Audrey Hepburn, están enamorados de los 60. Desde sus orígenes se puede rastrear desde ese sonido loungue de ascensor hasta la bossa nova y, especialmente, el ye-yé. Tanto es así que sus canciones siempre oscilan entre la magia, elegancia e ilusión del cine de la época con su pura insustancialidad y cierta preocupación por crear un sonido nuevo, un sonido que acabarían por llamar shibuya-kei. Así los 13 cds entre 1986 y 1995, su etapa japonesa, se centrarían en explotar este nuevo sonido, en darle forma desde el ye-yé como principal inspiración. Una melodía simple, una letra aparentemente tonta y una voz dulce para soñar sobre champan y diamantes entre sabanas de satén.

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Suele decirse que de la genialidad a la locura hay un paso pero creo firmemente que esto no es cierto, el problema no es de los genios, el problema es del resto de la humanidad incapaz de comprender lo excelso de algunas de sus excentricidades. De este modo, quizás nuestro problema a la hora de ver a Charlie Bronson sea que no podemos entender su genio.

Bronson es un biopic del criminal Charles “Charlie” Bronson, un hombre que busca su vocación, aunque su primera y absoluta vocación sea el espectáculo, ser un actor de la violencia. Un hombre que en libertad se hace luchador clandestino, que en la cárcel se dedica a agredir brutalmente en la misma medida que actúa de modo cortes y servicial o que en el psiquiátrico después de matar a uno de los residentes consigue un diploma que atestigua estar perfectamente cuerdo, un hombre para el que la cárcel es una habitación de hotel.

La violencia es parte de la existencia misma de Charlie, no por demente, no por una vida trágica y triste, simplemente, es una extensión de si mismo, su arte. El actúa, actúa agrediendo a sus compañeros y carceleros, realizando secuestros y burlándose en el juicio declarándose tan inocente como Hitler o pinta para acabar pintando el cuadro ultimo, un hombre vestido y pintado para crear su visión de un cerdo. Y actualmente, sigue encerrado disfrutando de su gloria, consiguió mandar un mensaje con su voz a la gala del estreno de su película sin autorización estando en una celda de máxima seguridad.

Y finalmente, se encuentra esa asociación continua entre Charlie Bronson y Arthur Cravan, dos boxeadores, dos poetas, dos actores de performances violentas y no aceptadas. El arte como violencia sigue vivo en forma del preso más violento de Inglaterra.