The Sky Was Pink

Etiqueta: catarsis

  • La catarsis se produce en la proyección del placer puro

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    Bloody Kisses, de Type O Negative

    La ca­pa­ci­dad ca­tár­ti­ca de la mú­si­ca es al­go que ya ha ocu­pa­do a lo lar­go de la his­to­ria tan­tas pá­gi­nas, pul­pa muer­ta re­su­ci­ta­da en su nue­va for­ma pro­pi­cia­da por la car­pin­te­ría de la téc­ni­ca in­dus­trial ma­de­re­ra, que re­pe­tir­lo una vez más re­dun­da­ría ya en cier­to ab­sur­do por has­tío. Todos sa­be­mos que, cuan­do se es­cu­cha mú­si­ca y no sim­ple­men­te se oye co­mo te­lón de fon­do, es cuan­do es­ta nos pro­du­ce es­ta­dos al­te­ra­dos del áni­mo con el cual afron­tar nues­tro día a día; la mú­si­ca que se me­re­ce tal epí­te­to pa­ra sí mis­ma, que ha de ser lla­ma­da ar­te sin ex­cep­ción, es aque­lla que nos ha­ce al­can­zar nue­vos es­ta­dos de nues­tro pro­pio ser que ge­ne­ral­men­te se en­cuen­tran ve­la­dos en el sub­cons­cien­te. Es por ello que si va­mos a ha­blar de ca­tar­sis, ya que no hay ca­tar­sis ma­yor y más con­ju­ra­da que el or­gas­mo, só­lo nos ca­be in­vo­car al über-mensch de nues­tro tiem­po, al rap­so­da vam­pí­ri­co, al hi­jo pre­di­lec­to de las ti­nie­blas de sa­tén: Peter Steele.

    Con dos dis­cos a sus es­pal­das, en los cua­les co­pu­la­ban qui­zás de­ma­sia­do cer­ca­nos con el doom me­tal y otras tra­zas fi­nas de de­pre­sión de­mo­dé ‑lo cual en el gru­po que se tien­de a ca­te­go­ri­zar co­mo el más sen­sual del mun­do, es preocupante‑, Bloody Kisses se ar­ti­cu­la­ría co­mo su gran obra maes­tra en la cual se mos­tra­ría co­mo el mons­truo­so hi­jo de pu­ta del éx­ta­sis que es. En és­te to­do se tor­na más cer­cano al hard cock aban­do­nan­do pau­la­ti­na­men­te el mus­tio me­tal ‑aun­que con hon­ro­sas ex­cep­cio­nes co­mo la muy Black Sabbath can­ción que da nom­bre al disco- pa­ra con­for­mar­se en com­po­si­cio­nes in­fi­ni­ta­men­te más sexys, pro­fun­das y hú­me­das. Es por ello que un des­te­llo ctó­ni­co co­mo Christian Woman, tan blas­fe­ma co­mo su nom­bre pue­de in­di­car, se ha con­ver­ti­do en el clá­si­co in­dis­cu­ti­ble del gru­po; su es­ti­lo par­ti­cu­lar­men­te pau­sa­do, dul­ce y con el pun­to jus­to de pe­ga­jo­si­dad (pop) pro­du­ce que la can­ción sea un per­fec­to cru­ce de ar­mó­ni­cos flui­dos que bai­lan uni­dos en ós­mo­sis. Steele nos su­su­rra al oí­do con su cá­li­da y pro­fun­da voz en im­por­tan­tes cam­bios de re­gis­tro que de­no­tan la sen­sual ca­ver­no­si­dad de sus ori­fi­cios. La can­ción, en su tra­yec­to fi­nal, se de­sa­rro­lla co­mo una len­ta pe­ro muy pla­cen­te­ra fric­ción de di­fe­ren­tes ca­pas que se aca­ban vo­la­ti­li­zan­do en ar­mo­nía en una muer­te pe­que­ñi­ta, mi­nús­cu­la, pe­ro mu­cho tiem­po deseada.

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  • La fantasmagórica ilusión del aburrimiento adolescente

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    Ghost World, de Daniel Clowes

    La vi­da en la era post-medias es co­mo la exis­ten­cia de un ado­les­cen­te en el cre­púscu­lo: un eterno vol­ver a ca­sa con la sen­sa­ción del abu­rri­mien­to ace­chan­do de­trás de ca­da ca­sa res­plan­de­cien­do con el fan­tas­ma­gó­ri­co pá­li­do azul de las te­le­vi­sio­nes ti­ti­lan­do an­te plan­tas que en otro tiem­po vá­ga­men­te fue­ron hu­ma­nos. Esa era, po­co an­tes de nues­tro tiem­po, cuan­do Internet lle­vó el con­cep­to de abu­rri­mien­to has­ta unas cuo­tas com­ple­ta­men­te ab­sur­das de hi­per­rea­li­dad, se de­fi­nía por una cons­tan­te con­ca­te­na­ción de ru­ti­nas dia­rias di­si­mi­les, pa­ra­noi­cas, ba­sa­das en la fas­ci­na­ción del pa­sa­do más inmediato-pero-no-demasiado y, es­pe­cial­men­te, por la ca­pa­ci­dad ab­so­lu­ta de abs­trac­ción pa­ra ver fas­ci­nan­te lo que nun­ca lo fue; en la era del abu­rri­mien­to, el te­dio era el rey. ¿Cómo era la cul­tu­ra en­ton­ces? Daniel Clowes, Kurt Cobain, y… su­pon­go que se­ría muy ra­di­cal afir­mar que al­guien re­cuer­da a otro al­guien cu­ya fa­ma ra­di­ca­ra en los 90’s y que no se pe­ga­ra un ti­ro o se con­vir­tie­ra en as­que­ro­sa­men­te trendy, ¿ver­dad? Bienvenidos a Ghost World.

    La no­ve­la grá­fi­ca tie­ne una ca­pa­ci­dad que, aun­que no sea pre­ci­sa­men­te vir­tuo­sa en la ma­yor par­te de los con­tex­tos, aquí re­sul­ta una au­tén­ti­ca ge­nia­li­dad: es ca­paz de plas­mar el spleen ado­les­cen­te que inun­dó los 90’s, a la ge­ne­ra­ción X. Ghost World, cu­yo nom­bre sur­ge de la can­ción ho­mó­ni­ma de Aimee Mann, es el pro­ce­so cons­tan­te de te­jer un pá­ra­mo de abu­rri­mien­to, te­dio, re­pe­ti­ción, spleen, abu­rri­mien­to, co­ña­zo, te­dio, re­pe­ti­ción, can­san­cio, te­dio, abu­rri­mien­to, so­por, ado­ce­na­mien­to, can­san­cio, aca­ba­mien­to, spleen, inape­ten­cia, har­tu­ra, pe­sa­dez, can­san­cio, des­ga­na, re­pe­ti­ción, apa­tía, in­di­fe­ren­cia y re­pe­ti­ti­vo abu­rri­mien­to que te­nía la épo­ca que re­tra­ta. Como la can­ción cu­yo nom­bre he­re­da, es el tré­mu­lo mí­ni­mo que man­tie­ne una hip­no­sis ca­tár­ti­ca que nos su­mer­ge en un sue­ño tan pro­fun­do, tan alu­ci­na­do en su nor­ma­li­za­ción, que siem­pre aca­ba sur­gien­do de de­trás de to­do cuan­to ocu­rre una his­to­ria épi­ca o una de­cep­ción ab­so­lu­ta­men­te ab­sur­da; al no ha­ber na­da que vi­vir o ser vi­vi­do, só­lo pue­den con­for­mar­se sus pro­ta­go­nis­tas con am­pli­fi­car su neu­ro­tis­mo, crear pro­ble­mas don­de no los hay pa­ra in­ten­tar do­mes­ti­car un mun­do que no se les mues­tra co­mo un mons­truo cruel y aso­la­dor, sino co­mo un agu­je­ro ne­gro del so­por in­so­por­ta­ble de la le­ve­dad espacio-temporal del presente.

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  • El dj darwinista. O cómo la irracionalidad está dirigida por una racionalidad contextual.

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    Copa, de Dj Hell

    El sue­ño del (post)adolescente me­dio des­de ha­ce ya al­go más de vein­te años es la po­si­bi­li­dad de al­can­zar la fies­ta per­pe­tua, la po­si­bi­li­dad de una fies­ta inago­ta­ble que se auto-perpetua en su pro­pia con­di­ción de fies­ta. Esto, que en reali­dad no es na­da nue­vo, es una con­cep­ción que se lle­va ge­ne­ran­do des­de el prin­ci­pio de los tiem­pos, aun­que só­lo aho­ra se ha­ya de­mo­cra­ti­za­do la fies­ta ‑co­mo co­to no ex­clu­si­vo de una ca­tar­sis co­lec­ti­va ne­ce­sa­ria­men­te re­vo­lu­cio­na­ria, ca­bría añadir- has­ta el pun­to de con­ver­tir­se en tó­tum re­vo­lú­tum de la pro­pia no­ción ori­gi­nal de fies­ta; lo que en prin­ci­pio era una co­mu­nión ca­tár­ti­ca ba­sa­da en la anu­la­ción de to­da ra­cio­na­li­dad cons­cien­te ha ido de­ri­van­do, len­ta­men­te, has­ta ori­llar en ma­res más fér­ti­les. Por su­pues­to po­ca gen­te me­jor ha­bría que Dj Hell pa­ra abor­dar es­ta pro­ble­má­ti­ca que es­tá ín­ti­ma­men­te li­ga­da por la ca­pa­ci­dad ca­tár­ti­ca del techno.

    En Copa, can­ción que nos ser­vi­rá de pun­ta de lan­za de es­ta on­to­lo­gía de la fies­ta, Dj Hell to­ma co­mo sam­pler Copacabana de Barry Manilow pa­ra ha­cer una nue­va con­cep­ción de la fies­ta; si Copacabana es, aun hoy, si­nó­ni­mo del loun­gue que acom­pa­ña las fies­tas más tó­rri­das, Copa se­ría la per­ver­sión im­pú­di­ca de es­te sue­ño im­po­si­ble de pla­cer. La can­ción avan­za en un co­mien­zo a trom­pi­co­nes has­ta que len­ta­men­te se va de­fi­nien­do en una me­lo­día prin­ci­pal que, len­ta­men­te, se va ha­cien­do con el po­der has­ta de­fi­nir­se en una suer­te de de­ce­so techno de ai­res tro­pi­ca­les en los que nos su­mer­gi­mos en esas exó­ti­cas pla­yas de ex­cep­ción con­ti­nua de la reali­dad. Lo úni­co que nos ha­ce sa­lir mo­men­tá­nea­men­te de esa no­ción son los cam­bios de rit­mo, tan alo­ca­dos co­mo apa­ren­te­men­te alea­to­rios, que van con­fi­gu­ran­do una per­cep­ción par­ti­cu­lar de la pro­gre­sión fes­ti­va. La su­bli­ma­ción se da de un mo­do fur­ti­vo en una ma­ni­pu­la­ción cons­tan­te del rit­mo que acon­te­ce na­tu­ra­li­za­do en la música.

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  • te conformaste como el toro de ejecución

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    El de­seo tie­ne, por su pro­pia con­di­ción, la pro­ble­má­ti­ca de ani­dar en su seno dos efec­tos con­tra­dic­to­rios en­tre sí: bús­que­da, y en­cuen­tro, de la ca­tar­sis ade­más de des­truc­ción de la ca­tar­sis mis­ma; en tan­to se al­can­za el de­seo len­ta­men­te se va des­tru­yen­do de­jan­do só­lo el efec­to re­si­dual de la na­da más des­es­pe­ran­za­do­ra. Es por ello que la vi­da es una eter­na con­fron­ta­ción en la que mi­ra­mos a los ojos a la muer­te en de­sa­fío por un ji­rón más de ca­tar­sis. He ahí la ge­nia­li­dad de una can­ción co­mo Brighter Than The Sun de Tiamat.

    Con un so­ni­do par­ti­cu­lar­men­te gó­ti­co Tiamat nos de­lei­tan con una can­ción os­cu­ra pe­ro vi­bran­te que se va mo­vien­do en­tre unos fas­tuo­sos ba­jos y la de­li­ca­de­za de los dis­tor­sio­na­dos vio­li­nes en un en­can­ta­dor jue­go de con­tras­tes. Pero don­de es­tá real­men­te lo es­pec­ta­cu­lar, es en su vi­deo­clip. Un to­re­ro dis­pues­to a su fae­na y una jo­ven da­ma que con­quis­tar son los ele­men­tos pa­ra es­ta epo­pe­ya mo­der­na ac­tua­li­za­da só­lo que aquí la en­ves­ti­da no se­rá de un to­ro, sino de un trai­ler con­du­ci­do por la jo­ven. El to­re­ro, a lo lar­go de la his­to­ria de la li­te­ra­tu­ra del si­glo XVIII y XIX ‑des­de Carmen de Bizet has­ta ¡De eso na­da! de Lawrence- par­ti­cu­lar­men­te, ha sim­bo­li­za­do siem­pre el va­lor y el arro­jo, va­lo­res ra­cio­na­les de mas­cu­li­ni­dad, mien­tras la mu­jer era, li­te­ral­men­te, la pa­sión des­afo­ra­da del to­ro; el hom­bre se ve he­cho ji­ro­nes por la pa­sión des­truc­ti­va in­con­tro­la­da de la fe­mi­ni­dad. Aquí la co­sa se per­vier­te ya que no es la pa­sión ani­mal, el to­ro, lo que des­tru­ye al hom­bre sino lo que se le su­po­ne más pro­pio: la téc­ni­ca sim­bo­li­za­da en el ca­mión. La mu­jer con­tem­po­rá­nea, ra­cio­nal, con sus de­seos per­fec­ta­men­te con­tro­la­dos, arro­lla a su ama­do sin per­der ja­más nun­ca el va­lor de lo que de­sea; lo de­sea tan­to que es ca­paz de des­truir­lo pa­ra ha­cer­le en­ten­der su amor. Y só­lo arro­ján­do­lo an­te la muer­te, ha­cién­do­le par­ti­ci­pe de una des­truc­ción ejem­plar, pue­de re­co­no­cer­se y por tan­to amar y ser ama­do. No hay afán de des­truc­ción nihi­lis­ta, es só­lo una for­ma de des­truc­ción crea­do­ra en bús­que­da de la trascendencia. 

    Embestida tras em­bes­ti­da el so­por­ta to­do el cas­ti­go, aguan­ta un po­co más los en­vi­tes de un de­seo tan bru­tal que rom­pe to­dos sus hue­sos has­ta el des­gas­te úl­ti­mo. La vi­da, los de­seos y el auto-reconocimiento se mi­me­ti­zan en un só­lo as­pec­to ha­cien­do de los tres un cues­tio­na­mien­to ne­ce­sa­rio pa­ra lle­gar a sí; só­lo arro­ján­do­me in­cle­men­te a los bra­zos de la muer­te pue­do re­co­no­cer­me y de­sear pues só­lo la muer­te mis­ma pue­de ori­gi­nar ‑y obliterar- mi ne­ce­si­dad de pro­yec­ción. He ahí el va­lor del to­reo pos­mo­derno, de la des­truc­ción co­mo téc­ni­ca de la pasión.

  • volando entre las entrañas del mar y las fosas del cielo

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    El techno, con una que­ren­cia es­pe­cial por el mi­ni­mal, es un gé­ne­ro que des­de su mis­ma ba­se es­tá sos­te­ni­do so­bre los prin­ci­pios de la per­mu­ta­bi­li­dad y la ós­mo­sis. Su fa­ci­li­dad pa­ra hi­bri­dar den­tro y fue­ra de otros gé­ne­ros, ya sea co­mo con­duc­tor o co­mo me­ro pa­rá­si­to, ha­ce de él un ca­ta­li­za­dor per­fec­to de la esen­cia ctó­ni­ca de la elec­tró­ni­ca. Si ade­más te­ne­mos en cuen­ta su es­tre­cha re­la­ción con las dro­gas re­crea­ti­vas, es­pe­cial­men­te las psi­co­tró­pi­cas, se­ría bas­tan­te sen­ci­llo ras­trear su ca­pa­ci­dad de dis­tor­sión de la reali­dad. Especialmente en te­mas co­mo Fentiger de Nathan Fake.

    En es­ta oca­sión el en­fant te­rri­ble del mi­ni­mal ha­ce un te­ma de la­bo­ra­to­rio don­de la sín­te­sis per­fec­ta con­flu­ye en la ne­ce­si­dad de rea­li­zar un es­ta­do de nor­ma­li­dad, una pro­gre­si­va en­tra­da en la al­te­ra­ción sen­so­rial y un pau­sa­do cam­bio fi­nal ha­cia la nor­ma­li­dad. De es­te mo­do, prác­ti­ca­men­te par­ti­da en dos, los pri­me­ros tres mi­nu­tos nos en­con­tra­mos con una me­lo­día prác­ti­ca­men­te des­pro­vis­ta de cual­quier cla­se de ar­ti­fi­cio en un ejer­ci­cio mi­ni­mal du­ro; te­lú­ri­co. La se­gun­da par­te sin em­bar­go se re­crea en la fa­ce­ta más lí­qui­da y vo­lá­til del gé­ne­ro des­de don­de nos ha­ce vo­lar en­tre el me­jor de los mun­dos po­si­bles; ro­ba la con­di­ción lí­qui­da ctó­ni­ca pa­ra un ca­rác­ter ce­les­tial. De es­te mo­do mien­tras la pri­me­ra par­te nos si­túa en el la­do más os­cu­ro y sór­di­do del mun­do en el se­gun­do quie­bra cual­quier di­fe­ren­cia­ción en­tre lo te­rrá­queo y lo ce­les­tial que­bran­do to­da no­ción de di­fe­ren­cia. En es­ta sín­te­sis con­mu­ta lo ctó­ni­co y lo ce­les­tial, lo mas­cu­lino y lo fe­me­nino, en un mis­mo mar de en­so­ña­ción lisérgico.

    Con se­me­jan­te ac­to li­túr­gi­co Nathan Fake con­si­gue lo que só­lo las dro­gas po­dían con­se­guir de un mo­do con­tun­den­te­men­te cla­ro, la sín­te­sis de los opues­tos en la for­ma­ción úni­ca de ho­mo­ge­nei­dad. Así el techno en ge­ne­ral y el mi­ni­mal en par­ti­cu­lar se pre­sen­tan co­mo el gé­ne­ro que aus­pi­cia en su seno el ac­to mis­mo de la ca­tar­sis co­mo li­be­ra­ción del ca­rác­ter de cons­truc­ción so­cial im­pues­to. Y he ahí su ma­gia; su cien­cia. El ser es la sín­te­sis en­tre el ir y el devenir.