The Sky Was Pink

Etiqueta: deconstrucción

  • sólo en lo sentimental crearéis lo propiamente humano

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    La des­truc­ción pue­de ser con­si­de­ra­da en sí mis­ma co­mo una for­ma de crea­ción más allá de los lí­mi­tes mis­mos de la con­cep­ción hu­ma­na. La des­truc­ción co­mo tor­sión de la reali­dad; su dis­tor­sión en un ni­vel esen­cial mis­mo, nos lle­va ha­cia un nue­vo ori­gen que es só­lo po­si­ble en su seno mis­mo. El desem­bo­car en el amor en su for­ma más pu­ra, en el he­cho de crea­ción pu­ra­men­te hu­mano, es el mo­do en el que la des­truc­ción nos lle­va ha­cia una ver­dad crea­do­ra. Y eso ha­ce World’s End Girlfriend en su ma­ra­vi­llo­sa Les Enfants du Paradis.

    La can­ción co­no­ce su ori­gen en unos co­ros a los cua­les, pos­te­rior­men­te, se les aña­dió me­lo­día pa­ra eli­mi­nar a su vez los co­ros. La eli­mi­na­ción del fac­tor hu­mano co­mo ori­gen y fi­na­li­dad mis­ma nos da lu­gar en una de­cons­truc­ción ori­gi­na­ria an­tes de la cons­truc­ción mis­ma de la me­lo­día. El re­sul­ta­do fi­nal es una es­pe­cie de pop dis­lo­ca­do, dis­tor­sio­na­do, que lle­va al lí­mi­te los con­ven­cio­na­lis­mos de cual­quie­ra de las (en­de­bles) ca­te­go­rías mu­si­ca­les. La fi­si­ca­li­dad de la mú­si­ca se nos ha­ce pa­ten­te só­lo en su sin­cro­ni­ci­dad en la bai­la­ri­na crean­do en su pro­pio cuer­po el es­pa­cio de la des­truc­ción; del cam­bio. La mi­ra­da de la cá­ma­ra, aje­na al es­pa­cio, só­lo nos sin­te­ti­za las for­mas y mo­vi­mien­tos que su­gie­re el acom­pa­sa­mien­to que el cuer­po no es ca­paz de sin­te­ti­zar. Así se da un do­ble jue­go don­de el es­pa­cio de lo fí­si­co se mi­me­ti­za en la mi­ra­da ab­so­lu­ta­men­te ob­je­ti­va­da a tra­vés de la cual se dis­tor­sio­na el es­pa­cio de lo fí­si­co. En ese dis­tor­sio­nar crea un al­go nue­vo, crea un es­pa­cio ex­clu­si­va­men­te de la mú­si­ca, de la dan­za, don­de se dis­rup­te el es­pa­cio pa­ra ha­cer del he­cho fí­si­co de la bai­la­ri­na un ac­to úl­ti­mo de amor: la per­pe­tua­ción del ac­to de re­pre­sen­ta­ción artístico.

    La des­truc­ción co­mo una con­for­ma­ción crea­do­ra es la sín­te­sis de la ca­pa­ci­dad del ser hu­mano de la crea­ción, só­lo cuan­do arra­sa el he­cho na­tu­ral, cuan­do de­cons­tru­ye su reali­dad pró­xi­ma, pue­de con sus frag­men­tos ha­cer de lo que acae­ce re­pre­sen­ta­ción. Y, en el úl­ti­mo de los ca­sos, só­lo así es ca­paz de crear al­go que le sea pro­pia­men­te úni­co, a tra­vés de la dis­tor­sión de la idea men­tal en el mun­do a tra­vés del es­pa­cio fi­si­ca­li­za­do de la mi­ra­da. Y ese, es el más ge­nuino ac­to de amor del hombre.

  • detrás del lenguaje se encuentra la disrupción mimética

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    El len­gua­je so­no­ro tie­ne un pa­ren­tes­co muy fuer­te con el len­gua­je vi­sual en tan­to am­bos pro­du­cen pai­sa­jes men­ta­les irre­pro­du­ci­bles en la me­ra ver­ba­li­za­ción de los mis­mos. El re­sul­ta­do es que la mú­si­ca co­mo el ci­ne no se pue­den ex­pli­car en tan­to la ver­ba­li­za­ción se­rá siem­pre in­exac­ta; se­rá una tra­duc­ción car­ga­da de erro­res de ma­tiz. Por eso, qui­zás, el úni­co mo­do de tra­du­cir es­tos idio­mas sea me­dian­te la in­clu­sión de un su­pra­ni­vel de sig­ni­fi­ca­do, un ni­vel nue­vo que com­ple­men­te pe­ro no tra­duz­ca. Por eso no es ex­tra­ño el sal­to de Sogo Ishii y Tadanobu Asano ha­cia la mú­si­ca con su gru­po de industrial/punk Mach 1.67.

    Nadie que co­noz­ca mí­ni­ma­men­te la ca­rre­ra de Ishii de­be­ría ex­tra­ñar­le es­te sal­to ha­cia la mú­si­ca más in­ten­sa y dis­rup­to­ra de los or­de­nes es­ta­ble­ci­dos, bien sean mu­si­ca­les, so­cia­les o si­quie­ra men­ta­les; es un pa­so na­tu­ral. Ya de en­tra­da se ga­nó la fa­ma de ser el di­rec­tor punk por ex­ce­len­cia de Tokyo al di­ri­gir Burst City, una pe­lí­cu­la so­bre mo­te­ros don­de par­ti­ci­pa­rían al­gu­nos de los gru­pos más des­ta­ca­dos del un­der­ground co­mo The Roosters, The Rockers, Inu o mis ado­ra­dos The Stalin. El res­to de su fil­mo­gra­fía tran­si­ta­ría, ne­ce­sa­ria­men­te, por ese es­ti­lo punk en to­dos los as­pec­tos que le lle­va­ría a ir abra­zan­do siem­pre el más ex­tre­mo to­da­vía, el ju­gar siem­pre al fi­lo de la na­va­ja fíl­mi­ca. Pero el pun­to de dis­rup­ción más in­tere­san­te fue la di­rec­ción de Halber Mensch una película-concierto so­bre los ex­qui­si­tos Einstürzende Neubauten. Con un es­ti­lo des­es­truc­tu­ra­do y caó­ti­co se con­ju­ga el so­ni­do de la ban­da con la ex­tra­ña com­bi­na­ción de for­mas con­tra­dic­to­rias; el so­ni­do clá­si­co de­cons­truí­do a mar­ti­lla­zos de los ale­ma­nes en­ca­ja­ba su­til­men­te con los bai­la­ri­nes de ba­toh que lo ilus­tra­ban. Y es aquí don­de Ishii en­cuen­tra la sín­te­sis per­fec­ta: la ma­ca­bra dis­rup­ción de los có­di­gos tra­di­cio­na­les en unos nue­vos y per­so­na­les códigos.

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  • asfixia, que algo queda

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    La la­bor de la de­cons­truc­ción es apre­mian­te en la so­cie­dad con­tem­po­rá­nea en la cual es de­ter­mi­nan­te co­no­cer co­mo y el que in­fluen­cia en ca­da as­pec­to de la exis­ten­cia. Por su­pues­to es­to de­ben do­mi­nar­lo más que na­die los ar­tis­tas en ge­ne­ral y los dj’s en par­ti­cu­lar, so­bre­to­do a la ho­ra de en­fren­tar­se a un re­mix de una can­ción da­da. Y es que, una bue­na de­cons­truc­ción en for­mar de re­mix pue­de cam­biar to­do el sen­ti­do de una can­ción co­mo nos de­mues­tra el Suffocation Ep de White Ring.

    Con White Ring nos en­fren­ta­mos a un witch hou­se ‑pró­xi­mo gé­ne­ro de mo­da por an­to­no­ma­sia a día de hoy- sór­di­do que nos su­mer­ge en cam­pos cer­ca­nos al dark am­bient más in­quie­tan­te. Con un ojo so­bre au­tén­ti­cos de­men­tes co­mo Nurse With Wound y otro so­bre los más co­mer­cia­les Crystal Castles van des­en­tra­ñan­do un en­tra­ma­do so­no­ro te­rro­rí­fi­co, siem­pre bus­can­do el de­jar en una po­si­ción in­có­mo­da al oyen­te. Cosa que se en­fa­ti­za en las si­nies­tras pro­gre­sio­nes de Suffocation don­de una ba­te­ría sim­ple, una acu­mu­la­ción de ca­pas os­cu­ras y una me­lo­día de ori­gen chip­tu­ne nos va con­for­man­do un to­do opre­si­vo. Si su­ma­mos a la ecua­ción una le­tra can­ta­da a gri­tos à la Alice el re­sul­ta­do es un te­ne­bro­so te­ma que nos aren­ga a arras­trar­nos por los in­dó­mi­tos y si­nies­tros mun­dos del witch hou­se me­nos con­des­cen­dien­te. Con un te­ma os­cu­ro, bru­tal pe­ro nun­ca ol­vi­dan­do que tie­ne que ser pin­cha­ble en dis­co­te­cas por ecléc­ti­cas que es­tas sean con­si­gue ha­cer un pro­di­gio­so acer­ca­mien­to del la­do más os­cu­ro de la mú­si­ca con el más ac­ce­si­ble. Al me­nos has­ta que uno es­cu­cha los re­mi­xes del EP.

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  • entendimiento tácito en la melodía de Tokyo

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    1.

    El ja­po­nés es un en­te atroz, di­vi­di­do en una exis­ten­cia con­tra­dic­to­ria que ne­ce­si­ta au­nar fe­rrea­men­te la tra­di­ción con la van­guar­dia más des­es­truc­tu­ra­da. Es im­po­si­ble dis­cer­nir los lí­mi­tes que se for­man en­tre la vi­da co­ti­dia­na, el ar­te y el zen sin des­truir los mis­mos nu­dos que los unen. En al­gún mo­men­to de 1985 se fil­ma y emi­te un do­cu­men­tal so­bre Ryuichi Sakamoto lla­ma­do Tokyo Melody.

    2.

    De una for­ma­ción clá­si­ca Sakamoto se jun­ta con el fol­kie Haruomi Hosono y el van­guar­dis­ta Yukihiro Takahashi, en con­jun­to crean la hi­pér­bo­le cy­ber­punk lla­ma­da Yellow Magic Orchestra. Su mú­si­ca synth­pop se acer­ca con un vi­ta­lis­mo si­nies­tro a la ca­ra más os­cu­ra que aun es­ta­ría por ger­mi­nar en Europa, ade­lan­tán­do­se por va­rios años tan­to a la new wa­ve co­mo al in­dus­trial. Antes de que los edi­fi­cios nue­vos se de­rrum­ba­ran YMO de­fi­nie­ron el caos de la en­ti­dad pos­mo­der­na: la fu­sión del hom­bre y la ma­qui­na en una en­ti­dad in­di­so­lu­ble a tra­vés de la mú­si­ca. Su fin en el ce­nit del gé­ne­ro y de la teo­ría mar­can el pun­to y se­gui­do del in­di­vi­duo hu­ma­nis­ta, bru­tal­men­te ase­si­na­do y vio­la­do en una cu­ne­ta de la M‑30. El in­di­vi­duo trans­hu­ma­nis­ta se de­cla­ra cul­pa­ble y la pos­mo­der­ni­dad se que­da per­ple­ja re­pi­tien­do teo­rías que han de na­cer muertas.

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  • el atrevimiento de la infancia

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    El black me­tal es­ta re­na­cien­do y ne­gar­lo se­ría ab­sur­do. Tenemos pro­pues­tas clá­si­cas con el res­ca­te de un so­ni­do que ha­cía años que no se es­cu­cha­ba con tan pro­ce­lo­sa eje­cu­ción. A su vez en­con­tra­mos el te­rror de los trve, la di­ver­si­fi­ca­ción. Así el gé­ne­ro es­tá ba­san­do su ac­tual su­per­vi­ven­cia y di­fu­sión en­tre los pro­fa­nos con fu­sio­nes con otros gé­ne­ros. Y una de los ca­sos más alu­ci­nan­tes de es­to se­gun­do es Parabstruse.

    Este pri­mer pro­yec­to en so­li­ta­rio del sino-americano Garry Brents es un ejem­plo de la pul­cra ex­pe­ri­men­ta­ción que es­tá su­frien­do el black me­tal. Tomando co­mo ori­gen el cam­bio de Ulver ha­cia la elec­tró­ni­ca de van­guar­dia, cuan­do aun guar­da­ban ras­gos de­fi­ni­to­rios del gé­ne­ro, crea un so­ni­do so­ber­bio. Lejos de amo­res cul­pa­bles des­plie­ga una va­rie­dad in­fi­ni­ta de gu­tu­ra­les con ecos, gui­ta­rras con rit­mos blac­kers y ba­te­rías car­ga­das de la os­cu­ri­dad pro­pia del ne­gro me­tal. Mientras va en­tre­te­jien­do una fi­na te­la de in­fluen­cias, es­pe­cial­men­te un post-rock cer­cano al tra­ba­jo de Mogwai o, in­clu­so, Labradford. Todo es­to rea­li­za­do con una ele­gan­cia y un fer­vor que so­bre­pa­sa eti­que­tas y gé­ne­ros, aun­que so­mos ca­pa­ces de ras­trear los so­ni­dos y sus in­fluen­cias no po­dría­mos sus­cri­bir­lo den­tro de gé­ne­ro al­guno. Y es que es­to es un so­no­ro gol­pe so­bre la me­sa. Con Parabstruse, Brents, acier­ta de pleno en el co­ra­zón de la ex­pe­ri­men­ta­ción al di­sec­cio­nar y re­mon­tar con per­fec­ta ar­mo­nía los ele­men­tos pro­pios de ca­da una de sus in­fluen­cias. La de­cons­truc­ción a la cual so­me­te a los gé­ne­ros a los cua­les se acer­ca da un re­sul­ta­do asom­bro­so que nos de­vuel­ve imá­ge­nes nos­tál­gi­cas de una in­fan­cia que nun­ca nos aban­dono. Y es que su dis­co, Old Sentimental, no es na­da más que eso, un can­to nos­tál­gi­co, tierno y dul­ce de la ar­qui­tec­tu­ra im­po­si­ble de la ima­gi­na­ción de nues­tras infancias.

    Todos te­ne­mos un ni­ño in­te­rior que jue­ga a sub­ver­tir las con­ven­cio­na­les tan­to so­cia­les co­mo las de la pro­pia ló­gi­ca. Ese jue­go in­fan­til es el que eje­cu­ta y con el cual nos inun­da Parabstruse en ca­da una de sus can­cio­nes en una cla­ve in­ti­mis­ta. La in­fan­cia aun es hoy, apren­da­mos de ella.