Etiqueta: flujos

  • La mirada que es mirada sufre el influjo de sus disposiciones (permanentes)

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    The Collector, de Marcus Dunstan

    El hom­bre des­de que se con­vir­tió en una en­ti­dad bá­si­ca­men­te se­den­ta­ria ‑y, pe­se lo que le pe­se a Bauman, así si­gue siendo- ha es­ta­ble­ci­do un lu­gar fí­si­co co­mo su ho­gar, el lu­gar don­de vol­ver reite­ra­ti­va­men­te y cu­yo aban­dono su­po­ne un cam­bio de iden­ti­dad la­ten­te. Es por ello que de­be­ría­mos in­ter­pre­tar que cuan­do una per­so­na se mu­da o aban­do­na su ca­sa, el que es de he­cho su ho­gar, só­lo pue­de ha­cer­lo por un mo­ti­vo: su iden­ti­dad ha cam­bia­do lo su­fi­cien­te pa­ra no ver­se iden­ti­fi­ca­dos en los flu­jos li­bres que se es­ta­ble­cen en la ca­sa. Bajo es­ta pers­pec­ti­va la ca­sa co­mo ho­gar se­ría el pun­to exac­to don­de vol­ve­mos reite­ra­ti­va­men­te pa­ra sen­tir­nos no­so­tros; só­lo en el seno del ho­gar nos cons­trui­mos co­mo en­ti­da­des com­ple­tas al po­ner­nos en con­so­nan­cia con los flu­jos pro­pios en­ca­de­na­dos a las re­sis­ten­cias pro­pias de la elec­ción de una ca­sa, de un ho­gar. Es por ello que pa­ra el hom­bre se­den­ta­rio el ma­yor te­rror exis­ten­te es la pe­ne­tra­ción ex­tra­ña en su in­te­rior, la vio­la­ción de su in­ti­mi­dad, co­mo de he­cho he­mos vis­to in­ce­san­te­men­te a tra­vés de los slasher.

    En la pe­lí­cu­la de Marcus Dunstan, re­cor­de­mos: guio­nis­ta de Saw IV y Feast II en ade­lan­te en sus res­pec­ti­vas sa­gas, po­de­mos en­con­trar una pri­me­ra con­for­ma­ción muy bien eje­cu­ta­da con res­pec­to de es­te acon­te­ci­mien­to. La fa­mi­lia de los Chase se mu­dan a una nue­va ca­sa en el bos­que can­sa­dos del es­trés de la ciu­dad pe­ro pa­ra re­for­mar­la, co­mo es ob­vio, con­tra­ta­rán a una se­rie de per­so­nas que lo ha­gan por ellos. Después de va­rios in­ci­den­tes, pe­ro siem­pre den­tro de la nor­ma­li­dad más ab­so­lu­ta, con al­gu­nos de los con­tra­tis­tas se en­con­tra­rán, pre­via elip­sis en re­fe­ren­cia a su his­to­ria, ma­nia­ta­dos en el só­tano y con sus hi­jas por cul­pa de un asal­tan­te des­co­no­ci­do. Hasta aquí, na­da nue­vo, ¿por qué nos in­tere­sa en­ton­ces? Porque nun­ca ve­mos el pun­to de vis­ta de los ca­za­dos, de los que vi­ven de he­cho en esa ca­sa, sino que la mi­ra­da se des­pla­za des­de el co­mien­zo ha­cia uno de los con­tra­tis­tas, Arkin, el cual en­tra­rá en la ca­sa con las avie­sas in­ten­cio­nes de ro­bar las jo­yas de la fa­mi­lia cuan­do es­tos es­tén au­sen­tes. A tra­vés de és­te des­pla­za­mien­to, el cam­biar el re­gis­tro de los ob­je­tos in­te­rior­men­te vio­la­dos a un ob­je­to ex­terno de és­ta vio­la­ción, ya no nos si­túa ba­jo las con­se­cuen­cias de un ac­to de to­da vio­la­ción del sanc­ta sanc­to­rum de una per­so­na, aho­ra es una lu­cha por la re­di­rec­ción de los flu­jos del mismo.

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  • sólo el deseo en flujo te arrastrará hacia donde necesitas (tú) ir

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    Fargo, de Joel y Ethan Coen

    1.

    ¿Qué exis­te de su­bli­me en Fargo? No hay na­da de su­bli­me en él. Pero si de­be­ría­mos en­con­trar una con­cep­tua­li­za­ción de lo su­bli­me de los Coen, una es­pe­cie de san­to grial que ex­pli­ca­ra las de­ter­mi­na­cio­nes fi­na­les del idea­rio ex­pre­sa­do por los her­ma­nos a lo lar­go de to­da su fil­mo­gra­fía, en­con­tra­ría­mos un prin­ci­pio in­elu­di­ble: el sue­ño ame­ri­cano; y su con­se­cuen­cia: la in­de­ter­mi­na­ción de to­do sue­ño. Su triun­fo y sus erro­res; co­mo el sue­ño ame­ri­cano nos si­túa an­te lo su­bli­me a tra­vés de la dis­tan­cia tem­po­ral en­tre el pro­pio sue­ño ame­ri­cano y su cum­pli­mien­to fi­nal. Fargo es, en úl­ti­ma ins­tan­cia, una con­tex­tua­li­za­ción de la idea pri­me­ra de los Coen a tra­vés de su fun­da­ción en el deseo.

    2.

    Las ar­ti­cu­la­cio­nes de de­seo no tie­nen na­da que ver con la re­pre­sión.DELEUZE, G. Deseo y pla­cer, Magazine Littéraire, nº 325, oc­tu­bre 1994, pp. 57 – 65

    3.

    Los per­so­na­jes apa­re­cen en di­co­to­mías per­fec­tas (Jerry-Jean, Carl-Gear, Marge-Norm) que se dan en cons­pi­ra­cio­nes en tríos (Jerry-Carl-Gear, pla­nea­do­res del se­cues­tro; Carl-Gear-Jean, víc­ti­mas del se­cues­tro; Marge-Gear-Jerry, su­per­vi­vien­tes del se­cues­tro) que se de­fi­nen por sus afi­ni­da­des elec­ti­vas. Estas afi­ni­da­des siem­pre se dan con un agen­te ex­terno que se in­tro­du­ce ‑o es in­tro­du­ci­do, ge­ne­ral­men­te, a la fuerza- en un con­tex­to di­fe­ren­te al pro­pio pa­ra bus­car al­gún be­ne­fi­cio la par­te introducida/introductoria del triun­vi­ra­to. Las con­se­cuen­cias siem­pre son ne­fas­tas pa­ra una de las dos par­tes con­tra­tan­tes. La nu­me­ro­lo­gía se re­pi­te constantemente.

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  • el cambio es el motor de los temores

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    La os­cu­ri­dad, lo que es­con­de el con­cep­to del te­rror, sue­le ob­viar to­da no­ción físico-espacial de mo­vi­mien­to en fa­vor del te­rror del es­ta­tis­mo ab­so­lu­to. En la os­cu­ri­dad na­da se mue­ve ‑o pa­re­ce que al­go se mue­ve pe­ro, en nin­gún ca­so, hay cons­ta­ta­ción de tal movimiento- por­que se pre­sen­ta co­mo el es­ta­tis­mo fi­nal de un su­fri­mien­to in­mi­nen­te; los ojos tré­mu­los de la muer­te nos ob­ser­van con quie­tud des­de las som­bras. Es por ello que siem­pre se ca­rac­te­ri­za to­da for­ma de te­rror co­mo una reali­dad emi­nen­te­men­te es­tá­ti­ca, co­mo un ace­cho, que só­lo se re­crea en el mo­vi­mien­to co­mo es­ta­dio de in­ter­sec­ción que da lu­gar al si­guien­te mo­men­to de terror-quietud. Incluso en los ca­sos en que po­de­mos ver la ame­na­za pre­sen­te di­ri­gién­do­se ce­lé­ri­ca­men­te ha­cia no­so­tros y, por tan­to, dis­cer­nir el mo­vi­mien­to es una cues­tión de pu­ro es­ta­tis­mo: no lo ve­mos co­mo es­pec­ta­dor sino co­mo aquel que su­fre un acer­ca­mien­to en sal­tos tem­po­ra­les de ca­da vez más cer­ca­na quie­tud de la ame­na­za; el te­rror se ri­ge por un mo­vi­mien­to en sal­tos del con­ti­nuum. Pero to­do es­to se ve­ría to­tal­men­te re­fu­ta­do en cuan­to abor­dá­ra­mos la úl­ti­ma obra de Enduser, el os­cu­ro Even Weight.

    Aquí nos en­con­tra­mos un Enduser par­ti­cu­lar­men­te auto-consciente, ale­ja­do de los vio­len­tos de­ve­ni­res ‑los cua­les lo acer­ca­ban, de una for­ma ex­cel­sa, ha­cia cam­pos más extremos- que ha­bían ca­rac­te­ri­za­do su dis­co­gra­fía has­ta el mo­men­to, pe­ro sin aban­do­nar ja­más su me­dio na­tu­ral: el darks­tep. Así nos en­con­tra­mos una con­ca­te­na­ción con­ti­nua de sal­tos al va­cío, en lo que pa­re­ce una oda am­bient al mo­vi­mien­to de­sen­fre­na­do y errá­ti­co don­de la úni­ca pau­sa a se­guir es ja­más te­ner un ob­je­ti­vo fi­jo. Su es­ti­lo, de­pu­ra­do has­ta unos pun­tos au­tén­ti­cos su­bli­mes del break, se sin­te­ti­za co­mo un des­ti­la­do per­fec­to del pa­so del flâ­neur; es un mo­vi­mien­to cons­tan­te ha­cia un in­fi­ni­to des­co­no­ci­do de po­si­bi­li­da­des. La os­cu­ri­dad se pre­sen­ta co­mo una en­ti­dad fluc­tuan­te que apa­re­ce de re­pen­te, en un mo­vi­mien­to on­du­la­to­rio per­pe­tuo, que ja­más to­ma des­can­so. Sumergirse en el mun­do que nos pro­po­ne Enduser es ex­plo­rar los lí­mi­tes de un uni­ver­so que es­tá en eterno mo­vi­mien­to y nos con­si­de­ra la pre­sa hos­til a ba­tir. En el seno de Even Weight to­do las­tre es una cons­tan­te fí­si­ca que de­vie­ne en la ve­lo­ci­dad auto-perpetuizante que ja­más pue­de fre­nar sino es an­te su mis­ma muer­te, ca­rac­te­ri­za­da en el fin abrup­to de la can­ción; ca­da uno de es­tos con­ti­nuum es una imagen-tiempo del flu­jo con­flui­do de si­tua­cio­nes de mo­vi­mien­to en el mun­do has­ta su co­li­sión con­tra el pun­to ome­ga en la distancia.

    Es por ello que el te­rror ja­más pue­de con­si­de­rar­se co­mo el es­ta­do de la quie­tud que per­tur­ba nues­tros sen­ti­dos, sino pre­ci­sa­men­te el es­ta­do de mo­vi­mien­to que dis­tor­sio­na el me­dio am­bien­tal con­na­tu­ral co­no­ci­do pro­du­cien­do así un es­ta­do de pá­ni­co an­te lo des­co­no­ci­do. En ese mo­vi­mien­to des­co­no­ci­do se su­bor­di­na el te­rror que se pro­du­ce, ne­ce­sa­ria­men­te, en la in­ca­pa­ci­dad de co­no­cer la nue­va con­fluen­cia de imágenes-tiempo que se da­rán en el es­pa­cio a tra­vés de un nue­vo mo­vi­mien­to pro­pi­cia­do por una en­ti­dad aje­na a no­so­tros mis­mos. El te­rror se si­túa en el seno del con­fluir errá­ti­co y des­co­no­ci­do de los flu­jos que creía­mos ya pre­via­men­te ordenados.

  • no existe deseo que no se torne en necesidad de evadir el abismo

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    La vi­da des­or­de­na­da, en cual­quie­ra de sus for­mas, pro­vo­ca una ne­ce­sa­ria ten­den­cia caó­ti­ca di­fi­cil de con­tro­lar. De és­te mo­do es una es­tam­pa nor­ma­li­za­da en los dro­ga­dic­tos más ex­tre­mos una to­tal au­sen­cia de ru­ti­na dia­ria, lle­gan­do has­ta un au­tén­ti­co de­ve­nir en de­seo de dro­ga. Algo si­mi­lar po­dría­mos de­cir de los es­ta­lli­dos psi­có­ti­cos de la es­qui­zo­fre­nia que, si no son con­tro­la­dos far­ma­co­lo­gi­ca­men­te, lle­va a su po­see­dor in­vo­lun­ta­rio ha­cia una es­pi­ral con­ti­nua de des­or­den fí­si­co y sen­ti­men­tal. Además en am­bos ca­sos po­dría­mos po­ner un de­no­mi­na­dor co­mún: las vi­sio­nes; el ver reali­da­des su­ges­ti­vas que es­tán más allá de la au­tén­ti­ca ex­pe­rien­cia pri­me­ra. Esto lo su­po ver muy bien David Bowie co­mo po­de­mos in­tuir de los ana­gra­mas que po­dría­mos con­for­mar a tra­vés del hom­bre de su obra, por otra par­te ex­ce­len­te, “Aladdin Sane”. Si por un la­do lo po­de­mos leer co­mo “A Lad Insane” ha­cien­do re­fe­ren­cia a su de­men­cia, tam­bién po­dría­mos tra­du­cir­lo co­mo “Love Aladdin Vein” pa­ra en­ten­der su afi­ción por la he­roí­na; la ex­pe­rien­cia del lo­co y del dro­ga­dic­to son, for­mal­men­te, in­di­so­lu­bles en­tre sí. Y pa­ra ahon­dar en es­to ha­bla­re­mos del vi­deo­jue­go ins­pi­ra­do en la obra de David Bowie, “Aladdin Sane: Road Trip to America”.

    Con un en­can­ta­dor es­ti­lo re­mi­nis­cen­te de un 8‑bits en es­ta­do pu­ro lo pri­me­ro que nos en­con­tra­mos, ya des­de su ca­ja, es la pu­ra y lim­pia pre­sen­ta­ción de pí­xe­les co­mo pu­ños. Después, pre­ci­sa­men­te con pu­ños co­mo pí­xe­les, ten­dre­mos que po­ner­nos en la piel de un rec­tan­gu­lar Ziggy Stardust que se de­fen­de­rá a bo­fe­to­nes de la ga­lea­da de fans, his­té­ri­cos has­ta la de­men­cia, pa­ra in­ten­tar huir de su úl­ti­mo con­cier­to en Londres. Bajo es­ta pre­mi­sa de fu­tu­ro in­cier­to de Ziggy en el vie­jo con­ti­nen­te de­ci­di­rá em­bar­car­se en un via­je ha­cia EEUU en una road trip que nos lle­va­rá des­de un de­ca­den­te Londres pre-SIDA has­ta un Nueva York re­cién es­po­lea­do por la in­ter­mi­ten­te fie­bre punk. Todo ello bien ador­na­do de una ju­ga­bi­li­dad ex­qui­si­ta, per­fec­ta­men­te de­pu­ra­da, y unas aris­tas cú­bi­cas que ha­rán las de­li­cias de to­dos los yon­kis de los tiem­pos de las li­mi­ta­cio­nes grá­fi­cas geométricas.

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  • Ken Ishii. Una ontología mónada (y nómada) del techno.

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    Ken Ishii (ケン・イシイ) na­ció en Sapporo, Japón, pe­ro no tar­da­ría en mu­dar­se has­ta la me­tro­po­li­ta­na Tokyo don­de se ini­cia­ría en el cam­po don­de ha des­ta­ca­do con luz pro­pia: el techno. Como uno de los dj’s más fa­mo­sos del mun­do, aun­que tam­bién en­tre los me­jo­res de su tiem­po, ha ar­ti­cu­la­do una evo­lu­ción con ca­rác­ter mar­ca­da­men­te ni­pón del Detroit techno y, lo más im­por­tan­te, con una vi­sión muy en­fo­ca­da ha­cia un nue­vo mer­ca­do au­dio­vi­sual en au­ge en la épo­ca co­mo son los vi­deo­jue­gos. He ahí la elec­ción de Ken Ishii pa­ra ar­ti­cu­lar un dis­cur­so so­bre el techno, cues­tio­na­ble co­mo cual­quier elec­ción, aun­que nos li­mi­ta­re­mos al pun­to más in­tere­san­te de su obra: la con­fluen­cia de la ima­gen con la mú­si­ca en sus videoclips.

    Ken Ishii- Butter Bump

    El techno es caó­ti­co y des­ar­ti­cu­la­do; su or­den in­terno pa­re­ce una ca­pri­cho­sa ali­te­ra­ción de mo­vi­mien­tos sin apa­ren­te or­den y con­cier­to. Ahora bien, co­mo el uni­ver­so, el techno se ri­ge por unas es­truc­tu­ras in­ter­nas que se pue­den con­tro­lar ‑o pa­ra ser más exac­tos, matematizar- aun cuan­do nos pa­rez­can im­pre­vi­si­bles o me­ra­men­te re­pe­ti­ti­vas. El con­ti­nuo dis­pa­ra­de­ro de imá­ge­nes se nos pre­sen­ta co­mo una diás­po­ra de in­for­ma­ción don­de no ri­ge una ar­ti­cu­la­ción co­mún, un dis­cur­so, sino que in­ten­ta trans­mi­tir­nos una sen­sa­ción, un flu­jo, particular.

    Esta con­for­ma­ción ri­zo­má­ti­ca, que no se ar­ti­cu­la en un or­den sino que des­de cual­quier pun­to se pue­de sal­tar a otro mis­mo, quie­bra cual­quier no­ción de or­den dis­cur­si­va de la mú­si­ca: es im­po­si­ble ge­ne­rar un dis­cur­so me­ló­di­co cohe­ren­te en el techno; no ge­ne­rar un flu­jo de­sean­te. Por eso el techno hu­ye de me­lo­días ‑en­ten­dien­do la me­lo­día co­mo el dis­cur­so de la música- sino que se afe­rra sin vehe­men­cia al ge­ne­rar sen­sa­cio­nes par­ti­cu­la­res. No ne­ce­si­ta con­tar­nos nin­gu­na his­to­ria, só­lo in­ten­ta trans­mi­tir­nos un es­pa­cio men­tal que el pro­pio techno ya con­si­de­ra co­mo superado.

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