The Sky Was Pink

Etiqueta: minimal

  • nunca abandones el nomadismo propio del inconformismo

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    Cuando re­cien­te­men­te afir­ma­ba so­bre el techno que es la cris­ta­li­za­ción de un con­cep­to fluc­tuan­te, más lí­qui­do que só­li­do, de los flu­jos que le son pro­pios a su vez pen­sa­ba en ese pun­to es­pe­cí­fi­co en un tra­ba­jo de Ken Ishii en su con­jun­to. El ja­po­nés, siem­pre a ca­ba­llo en­tre una sen­si­bi­li­dad pu­ra­men­te ja­po­ne­sa pe­ro tam­bién un es­ti­lo mar­ca­da­men­te oc­ci­den­tal, ha­ce con­fluir la pa­ra­do­ja en su seno co­mo ac­to con­fi­gu­ra­dor de to­da su obra y, por ex­ten­sión, de su pen­sa­mien­to. Es por eso que su dis­co “Future In Light” ar­ti­cu­le, qui­zás de una ma­ne­ra li­ge­ra­men­te ma­li­cio­sa, un dis­cur­so par­ti­cu­lar­men­te fuer­te con res­pec­to de la ac­ti­vi­dad nó­ma­da del techno.

    Articulado to­do co­mo una suer­te de de­ve­nir fu­tu­ro to­do el dis­co pa­re­ce que­rer ha­blar­nos de un mo­men­to más allá del cy­ber­punk, el lu­gar co­mún de Ken Ishii, pa­ra di­ri­gir­nos ha­cia un trans­hu­ma­nis­mo au­tén­ti­co; des­per­tar o tras­cen­der del ser hu­mano ena­je­nan­do su plano fí­si­co en fa­vor de uno ne­ta­men­te men­tal. Por eso el dis­co se con­for­ma, ya des­de su ini­cio, en una úni­ca reali­dad mo­to­ra: la con­ti­nua pa­ra­do­ja de sí mis­mo. Dando ban­da­zos en su so­ni­do po­de­mos en­con­trar des­de te­mas de un techno ejem­plar has­ta otros que ro­zan el mi­ni­mal ade­más de al­gu­nos mo­men­tos que se aven­tu­ra en una suer­te de IDM de­sas­tra­do; en­con­tra­mos que siem­pre ar­ti­cu­la un con­jun­to des­hi­la­cha­do pe­ro cohe­ren­te. Éste ca­rác­ter pa­ra­dó­ji­co que le ha­ce ser a la vez una afir­ma­ción y una ne­ga­ción de sus pro­pias cua­li­da­des tam­bién se ve en el pro­pio nom­bres de las can­cio­nes, una can­ción lla­ma­da Liquid Metal que se tor­na en un mi­ni­ma­lis­mo IDM de­ja muy po­co a la ima­gi­na­ción. Y he ahí la im­por­tan­cia de la con­tra­dic­ción pa­ra­dó­ji­ca en el techno: só­lo en tan­to es ca­paz de es­ta­ble­cer­se en una auto-negación de sí cons­tan­te pue­de se­guir pro­yec­tán­do­se co­mo en­ti­dad fu­tu­ra; pue­de se­guir crean­do es­pa­cios so­bre los cua­les tras­cien­de, no vive.

    El techno es nó­ma­da por­que es una con­for­ma­ción mo­ná­di­ca ‑co­mo ya di­ji­mos an­te­rior­men­te, por otra parte- pe­ro tam­bién por­que no pue­de de­jar de ser nó­ma­da; cons­ti­tu­ye vi­sio­nes del fu­tu­ro que se­rá pre­sen­te, o no, pe­ro que siem­pre es­tá ena­je­na­do de­trás de lo que sa­be­mos que es las sen­sa­cio­nes que son pro­pi­cias a esas reali­da­des re­ve­la­das. Nos pre­sen­ta un mun­do vi­sio­na­rio que es el nues­tro, que es don­de nos cons­ti­tui­mos, pa­ra huir au­to­má­ti­ca­men­te de él por­que el techno nun­ca ha­bla de lo que so­mos cons­cien­tes sino de lo que siem­pre es­tá por ve­nir. Quizás por eso la po­pu­la­ri­za­ción del gé­ne­ro ha­ya si­do una ra­ra avis pues, al no po­der cons­ti­tuir un con­tex­to que le sea pro­pio del cual no aca­be hu­yen­do por su no­ma­dis­mo, su po­pu­la­ri­za­ción en tér­mi­nos ma­si­vos es im­po­si­ble. Y por eso mis­mo es qui­zás una de las fuer­zas vi­vas más in­tere­san­tes de la cul­tu­ra hu­ma­na, es la úni­ca ca­paz de ha­ber so­bre­vi­vi­do dé­ca­das mu­tan­do sin pa­rar pe­ro siem­pre sien­do, a un ni­vel mo­ná­di­co, esen­cial­men­te lo mis­mo. El techno no es huir ha­cia ade­lan­te; es dar luz ha­cia los pun­tos que se man­tie­nen os­cu­ros sin po­der vi­vir nun­ca fue­ra de la oscuridad.

  • volando entre las entrañas del mar y las fosas del cielo

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    El techno, con una que­ren­cia es­pe­cial por el mi­ni­mal, es un gé­ne­ro que des­de su mis­ma ba­se es­tá sos­te­ni­do so­bre los prin­ci­pios de la per­mu­ta­bi­li­dad y la ós­mo­sis. Su fa­ci­li­dad pa­ra hi­bri­dar den­tro y fue­ra de otros gé­ne­ros, ya sea co­mo con­duc­tor o co­mo me­ro pa­rá­si­to, ha­ce de él un ca­ta­li­za­dor per­fec­to de la esen­cia ctó­ni­ca de la elec­tró­ni­ca. Si ade­más te­ne­mos en cuen­ta su es­tre­cha re­la­ción con las dro­gas re­crea­ti­vas, es­pe­cial­men­te las psi­co­tró­pi­cas, se­ría bas­tan­te sen­ci­llo ras­trear su ca­pa­ci­dad de dis­tor­sión de la reali­dad. Especialmente en te­mas co­mo Fentiger de Nathan Fake.

    En es­ta oca­sión el en­fant te­rri­ble del mi­ni­mal ha­ce un te­ma de la­bo­ra­to­rio don­de la sín­te­sis per­fec­ta con­flu­ye en la ne­ce­si­dad de rea­li­zar un es­ta­do de nor­ma­li­dad, una pro­gre­si­va en­tra­da en la al­te­ra­ción sen­so­rial y un pau­sa­do cam­bio fi­nal ha­cia la nor­ma­li­dad. De es­te mo­do, prác­ti­ca­men­te par­ti­da en dos, los pri­me­ros tres mi­nu­tos nos en­con­tra­mos con una me­lo­día prác­ti­ca­men­te des­pro­vis­ta de cual­quier cla­se de ar­ti­fi­cio en un ejer­ci­cio mi­ni­mal du­ro; te­lú­ri­co. La se­gun­da par­te sin em­bar­go se re­crea en la fa­ce­ta más lí­qui­da y vo­lá­til del gé­ne­ro des­de don­de nos ha­ce vo­lar en­tre el me­jor de los mun­dos po­si­bles; ro­ba la con­di­ción lí­qui­da ctó­ni­ca pa­ra un ca­rác­ter ce­les­tial. De es­te mo­do mien­tras la pri­me­ra par­te nos si­túa en el la­do más os­cu­ro y sór­di­do del mun­do en el se­gun­do quie­bra cual­quier di­fe­ren­cia­ción en­tre lo te­rrá­queo y lo ce­les­tial que­bran­do to­da no­ción de di­fe­ren­cia. En es­ta sín­te­sis con­mu­ta lo ctó­ni­co y lo ce­les­tial, lo mas­cu­lino y lo fe­me­nino, en un mis­mo mar de en­so­ña­ción lisérgico.

    Con se­me­jan­te ac­to li­túr­gi­co Nathan Fake con­si­gue lo que só­lo las dro­gas po­dían con­se­guir de un mo­do con­tun­den­te­men­te cla­ro, la sín­te­sis de los opues­tos en la for­ma­ción úni­ca de ho­mo­ge­nei­dad. Así el techno en ge­ne­ral y el mi­ni­mal en par­ti­cu­lar se pre­sen­tan co­mo el gé­ne­ro que aus­pi­cia en su seno el ac­to mis­mo de la ca­tar­sis co­mo li­be­ra­ción del ca­rác­ter de cons­truc­ción so­cial im­pues­to. Y he ahí su ma­gia; su cien­cia. El ser es la sín­te­sis en­tre el ir y el devenir.

  • asfixia, que algo queda

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    La la­bor de la de­cons­truc­ción es apre­mian­te en la so­cie­dad con­tem­po­rá­nea en la cual es de­ter­mi­nan­te co­no­cer co­mo y el que in­fluen­cia en ca­da as­pec­to de la exis­ten­cia. Por su­pues­to es­to de­ben do­mi­nar­lo más que na­die los ar­tis­tas en ge­ne­ral y los dj’s en par­ti­cu­lar, so­bre­to­do a la ho­ra de en­fren­tar­se a un re­mix de una can­ción da­da. Y es que, una bue­na de­cons­truc­ción en for­mar de re­mix pue­de cam­biar to­do el sen­ti­do de una can­ción co­mo nos de­mues­tra el Suffocation Ep de White Ring.

    Con White Ring nos en­fren­ta­mos a un witch hou­se ‑pró­xi­mo gé­ne­ro de mo­da por an­to­no­ma­sia a día de hoy- sór­di­do que nos su­mer­ge en cam­pos cer­ca­nos al dark am­bient más in­quie­tan­te. Con un ojo so­bre au­tén­ti­cos de­men­tes co­mo Nurse With Wound y otro so­bre los más co­mer­cia­les Crystal Castles van des­en­tra­ñan­do un en­tra­ma­do so­no­ro te­rro­rí­fi­co, siem­pre bus­can­do el de­jar en una po­si­ción in­có­mo­da al oyen­te. Cosa que se en­fa­ti­za en las si­nies­tras pro­gre­sio­nes de Suffocation don­de una ba­te­ría sim­ple, una acu­mu­la­ción de ca­pas os­cu­ras y una me­lo­día de ori­gen chip­tu­ne nos va con­for­man­do un to­do opre­si­vo. Si su­ma­mos a la ecua­ción una le­tra can­ta­da a gri­tos à la Alice el re­sul­ta­do es un te­ne­bro­so te­ma que nos aren­ga a arras­trar­nos por los in­dó­mi­tos y si­nies­tros mun­dos del witch hou­se me­nos con­des­cen­dien­te. Con un te­ma os­cu­ro, bru­tal pe­ro nun­ca ol­vi­dan­do que tie­ne que ser pin­cha­ble en dis­co­te­cas por ecléc­ti­cas que es­tas sean con­si­gue ha­cer un pro­di­gio­so acer­ca­mien­to del la­do más os­cu­ro de la mú­si­ca con el más ac­ce­si­ble. Al me­nos has­ta que uno es­cu­cha los re­mi­xes del EP.

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  • como LSD para chocolate

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    La re­pre­sen­ta­ción del amor co­mo una dro­ga na­tu­ral es una cons­tan­te bas­tan­te ex­ten­di­da en la fic­ción de to­da cla­se. Aunque cla­ro, vien­do los des­equi­li­brios hor­mo­na­les que nos pro­du­ce el ena­mo­rar­nos no es­tá, ni mu­chí­si­mo me­nos, le­jos de la ver­dad esa ana­lo­gía. Pero el amor, co­mo el LSD, se en­cuen­tra en Sky And Sand de Paul & Fritz Kalkbrenner.

    Con una me­lo­día sen­ci­lla, ca­si in­exis­ten­te, se des­plie­ga en con­jun­to con un jue­go de ba­te­ría que de­li­mi­tan y dan for­ma a la can­ción. Las ac­ti­tu­des vo­ca­les de los her­ma­nos Kalkbrenner tam­po­co des­ta­can en una can­ción que, a prio­ri, no nos ten­dría que de­cir na­da. Pero en el mi­ni­mal se jue­ga con otras re­glas y aquí me­nos es más ex­po­nen­cial­men­te. Así el so­ni­do es li­ge­ro, sen­ci­llo, con un cier­to re­gus­to am­bient en su ba­se que ayu­da a di­ge­rir una can­ción que, aun­que mí­ni­ma, es­tá cons­trui­da por y pa­ra des­per­tar en no­so­tros una cier­ta me­lan­co­lía. Justo de lo que nos ha­bla su le­tra, una his­to­ria de amor don­de el ena­mo­ra­do es in­ca­paz de te­ner los pies en la tie­rra cuan­do tie­ne den­tro de sí su de­seo. Ese cons­truir cas­ti­llos en la are­na y en el ai­re nos trans­por­ta al mun­do de los ena­mo­ra­dos y de los ra­ve­ros, el mun­do don­de el LSD y el amor tie­nen las mis­mas con­se­cuen­cias. Rayando el cie­lo mien­tras du­ra nos da­mos un tre­men­do gol­pe con­tra la reali­dad cuan­do se aca­ba, bus­can­do nues­tra si­guien­te do­sis. ¿Pero a quién le im­por­ta si se va a aca­bar? Lo más im­por­tan­te es dis­fru­tar de es­ta dro­ga mien­tras du­re, ya sea to­da una vi­da o ya sean los cua­tro bre­ví­si­mos mi­nu­tos de Sky and Sand.

    Ya des­de ha­ce unos años el mi­ni­mal nos sor­pren­de con pie­zas im­pres­cin­di­bles que no de­be­ría­mos de­jar pa­sar y siem­pre lo ha­ce co­mo evo­ca­dor úl­ti­mo de sen­ti­mien­tos. Quizás sea ver­dad aque­llo de que las me­jo­res co­sas de la vi­da son aque­llas más sen­ci­llas. Nosotros, por nues­tra par­te, se­gui­re­mos ha­cien­do cas­ti­llos de are­na en el aire.