The Sky Was Pink

Etiqueta: violencia

  • el punk no es música; es actitud

    nullEn tan­to ani­ma­les los se­res hu­ma­nos nos mo­ve­mos por pa­sio­nes que caen con asi­dui­dad en una con­no­ta­ción cul­tu­ral de vio­len­cia. Aun cuan­do he­mos ri­tua­li­za­do es­tos as­pec­tos pa­ra con­ver­tir­los en he­chos más ad­mi­si­bles ‑véa­se por ejem­plo la ma­yo­ría de de­por­tes con es­pe­cial hin­ca­pié en el fut­bol co­mo ri­tua­li­za­ción del combate- es­tán siem­pre pre­sen­tes en nues­tra vi­da co­ti­dia­na en la es­fe­ra de lo sim­bó­li­co; aun cuan­do so­mos ani­ma­les esen­cial­men­te cul­tu­ra­les no po­de­mos es­ca­par de nues­tra reali­dad ins­tin­ti­va siem­pre pre­sen­te. De es­te mo­do no de­be­ría ex­tra­ñar­nos la pro­li­fe­ra­ción de los AV, o Adult Videos, en los cua­les se mez­cla el se­xo con la vio­len­cia pan­di­lle­ra con una ab­so­lu­ta nor­ma­li­dad. Algo que aña­di­rían AV Okubo en sus mú­si­ca com­ple­men­tar es­ta, vio­len­ta y con un pun­to des­ce­re­bra­do, con unas le­tras re­cién sa­li­das de cual­quier pro­duc­ción cas­po­sa hong­ko­ne­sa pa­ra ma­yo­res de edad. Entre lo por­no­grá­fi­co, lo sal­va­je y lo naïf se si­túan en la po­si­ción que pa­re­ce que pa­re­cía que só­lo pue­de asu­mir un ja­po­nés a la ho­ra de ha­cer ar­te: la ab­so­lu­ta pa­ra­do­ja de tér­mi­nos cohe­ren­te con res­pec­to de sí.

    En su dis­co de­but, Wall of Sounds, los chi­nos AV Okubo con­si­guen esa su­til mez­cla en­tre los so­ni­dos más vio­len­tos y un pop qui­zás no tan di­ge­ri­ble co­mo de cos­tum­bre pe­ro aun ac­ce­si­ble pa­ra las ma­sas. Su com­bi­na­ción, to­tal­men­te úni­ca, da lu­gar a un ace­le­ra­do pas­ti­che que, le­jos de de­rrum­bar­se por in­cohe­ren­te, fun­cio­na co­mo un con­jun­to par­ti­cu­lar­men­te sub­ver­si­vo; punk. Cayendo en el post-punk a me­nu­do pe­ro sin aban­do­nar ja­más su vio­len­cia son co­mo un ti­ro di­rec­ta­men­te a la en­tre­pier­na: son di­rec­tos y sen­ci­llos en su brutalidad.

    Ver la ri­tua­li­za­ción de la vio­len­cia en su sín­te­sis más ac­ce­si­ble es al­go que len­ta­men­te se ha ido re­cu­pe­ran­do pa­ra la cul­tu­ra con­tem­po­rá­nea. Todo lo que tie­ne el punk de ex­plí­ci­ta­men­te vio­len­to, de des­ve­la­dor de la vio­len­cia tras no­so­tros, es lo que ale­ja a la ma­sa de un gé­ne­ro que les in­co­mo­da por lo evi­den­te de su ca­rác­ter sub­ver­si­vo. Sin em­bar­go con AV Okubo ocu­rre pre­ci­sa­men­te lo con­tra­rio, en su ca­rác­ter más pop crea una po­si­ble vía de ac­ce­si­bi­li­dad que per­mi­te man­dar un men­sa­je con­tun­den­te, bru­tal in­clu­so, sin que el oyen­te se sien­ta in­có­mo­do. Y he ahí la ma­gia de los oriun­dos de Wuhan, nos res­trie­gan la vio­len­cia que no es con­na­tu­ral por la ca­ra a tra­vés de su semi-explicitación; el fu­tu­ro del punk es ser tan punk que (ca­si) no pa­rez­ca que lo es.

  • nazi chic: aboliendo ideologías

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    La vuel­ta pa­sio­nal por par­te de la ju­ven­tud ja­po­ne­sa por la es­té­ti­ca na­zi es al­go tan po­co sor­pre­si­vo co­mo sim­pá­ti­co a prio­ri; to­da mo­da vi­ve del eterno re­vi­val. Ahora bien, es­to no es tan sen­ci­llo co­mo un me­ro re­vi­val ya que el na­zi chic co­no­ce de unas muy pe­cu­lia­res con­no­ta­cio­nes al no ver­se mo­ti­va­do por una es­té­ti­ca de una sub­cul­tu­ra, sino de los fas­cis­mos que aso­la­ron Europa al prin­ci­pio del si­glo XX. ¿Qué tie­ne que ver el Japón ac­tual, y el mun­do en­te­ro en po­co tiem­po por ex­ten­sión, con es­te fi­lo­na­zis­mo es­té­ti­co re­su­ci­ta­do? La res­pues­ta se ve­rá muy fá­cil­men­te en Scarlet Ballet de May’n.

    La jo­ven May’n apa­re­ce en es­te, su úl­ti­mo sin­gle, con una es­té­ti­ca con cla­ras con­no­ta­cio­nes mi­li­ta­ris­tas que re­cuer­dan, sin nin­gu­na cla­se de du­das, la es­té­ti­ca na­zi pa­sa­da por una fe­mi­ni­za­ción del con­jun­to; el con­tras­te del uni­for­me, lo pu­ra­men­te mas­cu­lino, con las for­mas y ra­dian­te ca­rác­ter in­fan­ti­li­za­do, lo pu­ra­men­te fe­me­nino, crea un nue­vo es­pa­cio: se pa­sa del es­ta­lli­do vio­len­to ha­cia la ve­lo­ci­dad ino­cen­te. Este trán­si­to se ve ca­rac­te­ri­za­do en co­mo abor­da to­da la es­té­ti­ca pa­ra­mi­li­tar que va sal­pi­can­do to­do el ví­deo. Toda po­si­ción y pos­tu­ra, ca­da mo­vi­mien­to, es­tá en­sa­ya­do a la per­fec­ción pa­ra dar un cier­to ca­rác­ter vio­len­to, mi­li­tar, pe­ro siem­pre se so­bre­po­ne el ca­rác­ter pu­ra­men­te an­ge­li­cal de la can­tan­te; lo ho­rren­do se su­bli­ma tras lo be­llo. Incluso cuan­do se tien­de ha­cia los mo­vi­mien­tos brus­cos, se­cos, pro­pios de una ac­ti­vi­dad pu­ra­men­te mar­cial se ha­cen con la gra­ci­li­dad pro­pia del ba­llet; to­do mo­vi­mien­to es su­til y fe­me­nino. Así pri­ma la pre­ci­sión de los mo­vi­mien­tos, las mi­ra­das, so­bre esa aco­ta­ción vio­len­ta que se le pre­su­po­ne al ca­rác­ter fas­cis­ta de su es­té­ti­ca. La vio­len­cia se so­la­pa trans­mu­tán­do­se en ve­lo­ci­dad pu­ra, en los mo­vi­mien­tos se­cos y rá­pi­dos, que real­za el ca­rác­ter ctó­ni­co del con­jun­to; la vio­len­cia es anu­la­da en un fluir pa­cí­fi­co co­mo el agua.

    Cuando los fu­tu­ris­tas ne­ga­ban el ca­rác­ter de lo fe­me­nino den­tro del mo­vi­mien­to abrie­ron la ve­da pa­ra que, aho­ra, se die­ra una es­te­ti­za­ción de los fas­cis­mos que anu­la­ra su ca­rác­ter vio­len­to. El aña­dir el com­po­nen­te fe­me­nino se con­si­gue abo­lir la ideo­lo­gía to­ta­li­ta­ris­ta ne­ga­do­ra tras la es­té­ti­ca; en su nue­va con­for­ma­ción obli­te­ra aque­llo que le era con­tra­dic­to­rio a prio­ri pa­ra sí. Y así, ade­más, asu­me la for­ma na­tu­ral del tiem­po: la ve­lo­ci­dad ex­tre­ma y va­po­ro­sa co­mo los sen­sua­les mo­vi­mien­tos del ballet.

  • manifiesto por una revolución estético-política del presente

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    α

    El ser hu­mano en el es­ta­do de na­tu­ra­le­za es­tá in­de­fen­so an­te los em­ba­tes de los de­más; ri­ge la ley del más fuer­te. Mi fe no es bien­ve­ni­da aquí. De és­te mo­do se con­vier­te en al­go ne­ce­sa­rio cons­ti­tuir­se en una so­cie­dad que nos con­ce­da la se­gu­ri­dad en su seno de la cual ca­re­ce­mos en la na­tu­ra­le­za. En es­te pun­to ce­de­mos nues­tro po­der per­so­nal en fa­vor del Estado pa­ra que nos de­fien­da de los ata­ques ex­te­rio­res y or­de­ne la paz in­te­rior de la sociedad.

    γ

    El es­ta­do, en su con­di­ción mis­ma de Leviatan, no de­ja de ser un mons­truo que se nu­tre con el al­ma de sus ciu­da­da­nos; ca­re­ce de to­do po­der pues su úni­co po­der es nues­tra acep­ta­ción de su or­den. ¿Qué ha­cer si el po­der in­ten­tar jo­der­nos? Activar nues­tro po­der auto-castrado en fa­vor de la pro­tec­ción pro­me­ti­da pe­ro no sa­tis­fe­cha del es­ta­do de de­re­cho. Cualquier otra op­ción se­rá la acep­ta­ción im­plí­ci­ta de la vio­len­cia institucional.

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  • en favor de una estética del lenguaje de la música de hospital

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    El amor en el ima­gi­na­rio ar­tís­ti­co siem­pre se ha si­tua­do más cer­cano a las for­mas más poé­ti­cas y ele­va­das del ca­rác­ter hu­mano que de sus for­mas más fi­si­ca­li­za­das y por en­de más pró­xi­mas sino a la reali­dad, si al me­nos a la co­ti­dia­ni­dad. Por ello es in­tere­san­te ver esos pun­tos dis­cor­dan­tes en don­de to­do es­te ca­rác­ter ele­gía­co se va­po­ri­ce en fa­vor de los as­pec­tos más vio­len­ta­dos y mun­da­nos del amor hu­mano. Y pa­ra eso no hay na­da me­jor que Hospital Music for the Aesthetics of Language de Trophy Scars.

    En es­ta pri­me­rí­si­ma pri­me­ra obra del gru­po nos en­con­tra­mos el fer­vor ado­les­cen­te que uno es­pe­ra en una pri­me­ra obra; una ra­bia tan ape­nas con­te­ni­da ‑si es que lo es­tá en al­gu­na medida- que nos lle­va ha­cia los cam­pos más des­truc­ti­vos del screa­mo. Pero con­tra to­do pro­nós­ti­co con­si­guen que el tra­ba­jo sea, en su con­jun­to, al­go mu­cho más allá ya que con­si­guen ha­cer de su gé­ne­ro el pun­to de sín­te­sis de cuan­tos gé­ne­ros se les po­nen por de­lan­te. Con un pre­do­mi­nan­te ca­rác­ter jazz en los ins­tru­men­tos van des­tri­pan­do con vi­ru­len­cia unas me­lo­días car­ga­das de tec­ni­cis­mo que, sin em­bar­go, ja­más de­jan de so­nar ac­ce­si­bles; co­mo una sín­te­sis en­tre un tí­mi­do tec­ni­cis­mo y un des­nu­da­mien­to pú­bli­co sin pu­dor. Justo ahí es don­de se si­túa el con­cep­to mis­mo de su dis­co: a tra­vés de la vio­len­cia téc­ni­ca im­pri­mi­da en su mú­si­ca des­nu­dan to­do sen­ti­mien­to tras de sí. Aquí só­lo hay si­tio pa­ra el amor, uno tan pu­ro, per­fec­to y hu­mano que só­lo se pue­de de­fi­nir a tra­vés de un ac­to de vio­len­cia des­me­di­da y des­con­tro­la­da que só­lo co­bra sen­ti­do en su mis­ma sín­te­sis. Perpetúan un ac­to de pu­ro te­rro­ris­mo ba­llar­diano só­lo que al re­vés, aquí no ca­be si­tio pa­ra la nue­va car­ne en tan­to só­lo pue­den re­de­fi­nir el es­pa­cio me­se­ta­rio del hom­bre; la geo­gra­fía sentimental.

    Ya des­de el tí­tu­lo nos lo ad­vier­ten y es que nos con­ce­den na­da más que una es­té­ti­ca del len­gua­je de la mú­si­ca de hos­pi­tal; la es­té­ti­ca de un sen­ti­mien­to tan in­ten­so que ne­ce­sa­ria­men­te trans­por­ta ha­cia el pu­ro do­lor fí­si­co. Y es que aquí Trophy Scars no só­lo se de­fi­nen co­mo ex­tre­ma­da­men­te ado­les­cen­tes sino que se im­po­nen co­mo ne­ce­sa­ria­men­te ado­les­cen­tes; nos en­se­ñan los sen­ti­mien­tos que real­men­te po­see­mos y nos ha­bían si­do has­ta aho­ra ocul­ta­dos. El amor nun­ca fue una cues­tión del al­ma, siem­pre fue una cues­tión de la fí­si­ca sen­ti­men­tal de los cuerpos.

  • tras las apariéncias se encuentra la necesidad

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    Cuando nos po­ne­mos an­te cier­tas obras cul­tu­ra­les te­ne­mos la sen­sa­ción de es­tar an­te una es­pe­cie de pe­cu­liar jue­go de som­bras, co­mo si vié­ra­mos la reali­dad a tra­vés de los co­lo­res de un ar­coi­ris. El mun­do así se dis­tor­sio­na y pa­re­ce más co­lo­ri­do, más be­llo, de lo que real­men­te es­con­de tras de sí. Y es­to es pre­ci­sa­men­te lo que ocu­rre con Enchanted Landscape Escape de Wonderland Falling Today.

    Las clá­si­cas dis­rup­cio­nes vio­len­tas de Katsuhiko Maeda con su pro­yec­to prin­ci­pal, World’s End Girlfriend, de­jan pa­so aquí a la sua­ve ar­mo­nía hip­no­ti­zan­te de un mi­ni­ma­lis­mo so­no­ro ex­qui­si­to. Cada no­ta es­tá to­ca­da con el ex­qui­si­to gus­to mar­ca de la ca­sa bien re­mar­ca­do por una cier­ta sen­sa­ción de fa­mi­lia­ri­dad, de dul­zu­ra, que im­preg­na ca­da uno de los se­gun­dos del dis­co. Por eso cuan­do ata­can, de for­ma muy bre­ve, cier­tas dis­rup­cio­nes de so­ni­do ‑ya sea en for­ma de noi­se o co­mo me­ras disarmonías- nos cau­sa una cier­ta sen­sa­ción de ten­sión. Entre los vi­vos co­lo­res con los que nos pre­sen­ta el mun­do se va trans­pa­ren­tan­do, ca­si co­mo sin que­rer, la au­tén­ti­ca na­tu­ra­le­za del mun­do. Así, en és­te via­je de pla­cer, nos va en­se­ñan­do un mun­do fe­liz don­de re­la­jar­nos an­te la pla­ci­da na­da que ador­na ca­da rin­cón pre­sen­tán­do­lo des­de un pris­ma tu­rís­ti­co; un pris­ma de idí­li­ca fal­se­dad. Así en ca­da fa­llo, en ca­da ins­tan­te don­de no con­tro­lan exac­ta­men­te lo que nos mues­tran, po­de­mos ver co­mo aque­llo que es os­cu­ro e in­com­pren­si­ble en­tra en el mun­do im­po­si­ble que han cons­trui­do pa­ra no­so­tros. Cuando, en nues­tra hui­da de es­te fin­gi­mien­to, nos aso­ma­mos a las mu­ra­llas del im­pe­rio de las apa­rien­cias po­de­mos ver el pá­ni­co in­fi­ni­to de la eternidad.

    En el úl­ti­mo te­ma del dis­co, con to­da la reali­dad des­mo­ro­nán­do­se co­mo la far­sa que es an­te no­so­tros co­mo una cas­ca­da de do­lor, nos aban­do­nan fi­nal­men­te con di­fe­ren­tes per­so­nas di­cien­do adiós. Al fi­nal del via­je, un via­je ab­so­lu­ta­men­te sin­ce­ro, só­lo nos que­da esa des­pe­di­da que nos en­se­ña co­mo el mun­do era al­go mu­cho más que la be­lle­za que re­cla­ma nues­tra ne­ce­si­dad. Ante la in­com­pren­sión de lo si­nies­tro só­lo nos que­da acep­tar lo si­mu­la­cral co­mo realidad.